Storie & Archeostorie

Mostra | Tarocchi. Le origini, le carte, la fortuna (Bergamo)
2026-02-27 00:00 - 2026-06-02 23:59 (Europe/Rome) | Accademia Carrara, Piazza Giacomo Carrara, 82, Bergamo, Italy
Dal 27 febbraio al 2 giugno 2026, Accademia Carrara presenta TAROCCHI. Le origini, le carte, la fortuna, la più ampia e completa mostra mai dedicata alla storia dei tarocchi, a cura di Paolo Plebani.
Un progetto atteso da tempo: dopo oltre un secolo vengono riunite le 74 carte del Mazzo Colleoni, il più completo al mondo tra quelli anctichi, oggi conservate tra l’Accademia Carrara di Bergamo, The Morgan Library & Museum di New York e una collezione privata.
L’occasione di questa eccezionale riunione ha dato avvio a un progetto altrettanto unico: un percorso lungo sette secoli, dal Quattrocento al Novecento e oltre che, grazie a prestigiosi prestiti nazionali e internazionali, approfondisce la storia dei tarocchi, la committenza, gli artisti, le tecniche – anche alla luce delle recenti indagini scientifiche – la loro fortuna, le ispirazioni e il fascino che queste carte continuano a esercitare.
Nati come svago aristocratico e diffusi con l’invenzione della stampa, i tarocchi si affermano come strumento divinatorio nel XVIII secolo, raggiungendo una straordinaria fortuna culturale e simbolica nel Novecento e fino ai giorni nostri. I temi affrontati nel percorso espositivo restituiscono la più ampia e articolata panoramica sui tarocchi mai realizzata: dal Quattrocento di Bonifacio Bembo, autore delle carte Colleoni, al Surrealismo con artisti come Victor Brauner, dalle miniature ispirate ai Trionfi petrarcheschi alle interpretazioni contemporanee di Irving Penn, Niki de Saint Phalle e Leonora Carrington.
La mostra è realizzata in collaborazione con The Morgan Library & Museum di New York e presenta prestiti straordinari provenienti da importanti istituzioni internazionali, tra cui la Bibliothèque Nationale de France di Parigi, la Beinecke Rare Book and Manuscript Library della Yale University e la Biblioteca Nazionale di Firenze.

Giorni e orari
27.02 – 02.06.2026
Lunedì, mercoledì, giovedì e venerdì: 9.00 – 19.00
Sabato, domenica e festivi: 10.00 – 19.00
Martedì: chiuso

Mostra | Cipro e Italia. Identità culturali condivise all’alba della storia (Roma)
2026-02-28 00:00 - 2026-06-30 23:59 | Castel Sant’Angelo, Lungotevere Castello, 50, Roma, Italy
Castel Sant’Angelo ospita la mostra Cipro e Italia. Identità culturali condivise all’alba della storia, aperta al pubblico fino al 30 giugno 2026. Il progetto rientra tra le iniziative ufficiali promosse in occasione della Presidenza cipriota del Consiglio dell’Unione europea 2026. Curata da Anastasia Christophilopoulou, l’esposizione è stata realizzata con il contributo di un comitato scientifico internazionale composto da studiosi e rappresentanti delle principali istituzioni culturali italiane e cipriote.
La mostra è stata co-progettata e co-finanziata nell’ambito di un accordo di collaborazione tra il Ministero della Cultura italiano guidato da Alessandro Giuli, attraverso la Direzione generale Musei e l’Istituto Pantheon e Castel Sant’Angelo – Direzione Musei nazionali della città di Roma, e il Viceministero della Cultura della Repubblica di Cipro guidato da Vasiliki Kassianidou, tramite il Dipartimento per la Cultura Contemporanea.
Il percorso espositivo racconta le profonde connessioni storiche e culturali nel Mediterraneo tra i territori di Cipro e dell’Italia, con particolare attenzione alle dimensioni insulari della Sicilia e della Sardegna, adottando una prospettiva di lungo periodo che risale fino a settemila anni fa.
Attraverso oggetti e materiali archeologici provenienti da musei italiani e ciprioti, vengono esplorati i processi di scambio culturale, le rotte marittime e la trasmissione delle conoscenze, mettendo in luce dinamiche di contatto e di interazione che, fin dalle fasi più antiche, all’alba della storia, hanno contribuito a definire un orizzonte mediterraneo condiviso.
Cipro, Sicilia, Sardegna e Italia peninsulare sono presentate come nodi strategici del Mediterraneo, luoghi privilegiati di contatto, nei quali si sviluppano scambi, commerci e forme di circolazione di persone, oggetti e saperi lungo archi cronologici di lunga durata.
La mostra riunisce circa 120 oggetti, che guidano il visitatore attraverso temi quali la vita quotidiana, le pratiche funerarie, l’arte, la mobilità, il progresso delle tecnologie e i processi di osmosi culturale.
Tra i più iconici, il pendaglio in pietra con figurina a forma di croce dal sito di Souskiou-Laona, a Cipro, la navicella in bronzo rinvenuta a Orroli in Sardegna, i pettini in avorio da Frattesina, in Veneto, il carrello di Bisenzio del Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia, le figurine cruciformi della cultura di Castelluccio e il sigillo in steatite, entrambi dalla Sicilia.
Particolare attenzione è riservata alla circolazione dei metalli e delle tecnologie, ambito privilegiato per leggere i contatti e le relazioni tra i diversi popoli del Mediterraneo. Un rilievo specifico è attribuito al ruolo della metallurgia cipriota e sarda e all’azione svolta da Fenici e Greci nei processi di scambio e trasmissione di modelli culturali.
Il percorso è arricchito da installazioni multimediali che integrano il racconto archeologico, offrendo al visitatore la possibilità di esplorare le rotte, i paesaggi costieri e le reti di contatto, restituendo la dimensione dinamica di questo spazio condiviso.
Attraverso il racconto delle reti di scambio e delle relazioni tra territori e comunità, la mostra mette in luce il ruolo del Mediterraneo antico come luogo di connessioni, centrale nella costruzione di un orizzonte culturale condiviso, destinato a contribuire, nel lungo periodo, alla formazione dell’identità europea.

Info: www.coopculture.it/en/events/event/cipro-e-italia.-identita-culturali-condivise-allalba-della-storia/

Mostra | Da Vienna a Roma. Meraviglie degli Asburgo dal Kunsthistorisches Museum (Roma)
2026-03-05 00:00 - 2026-07-05 23:59 | Museo del Corso – Polo museale Palazzo Cipolla, Via del Corso 320, Roma, Italy
Per la prima volta in Italia, oltre cinquanta capolavori provenienti dalle collezioni del Kunsthistorisches Museum di Vienna raccontano la nascita, lo splendore e la complessità di una delle più grandi imprese culturali d’Europa. Da Vienna a Roma. Meraviglie degli Asburgo dal Kunsthistorisches Museum, in programma al Museo del Corso – Polo museale, Palazzo Cipolla, dal 5 marzo al 5 luglio 2026, offre al pubblico un’occasione senza precedenti: entrare nel cuore di una collezione che è al tempo stesso museo e autoritratto dinastico, emblema dello splendore di un Impero e dell’ambizione culturale degli Asburgo.
Promossa e prodotta dalla Fondazione Roma in collaborazione con il Kunsthistorisches Museum (KHM), con il patrocinio del Ministero della Cultura e dell’Ambasciata d’Austria a Roma, l’esposizione è realizzata con il supporto organizzativo di MondoMostre e resa possibile anche grazie al contributo del gruppo Sella – attraverso Banca Sella e Banca Patrimoni Sella & C. – sponsor ufficiale della mostra.
Il progetto espositivo – a cura di Cäcilia Bischoff, storica dell’arte del KHM – riunisce opere raccolte o commissionate tra il XVI e il XVIII secolo da figure centrali della Casa d’Asburgo — dall’imperatore Rodolfo II all’arciduchessa Isabella Clara Eugenia, dall’arciduca Leopoldo Guglielmo fino all’imperatrice Maria Teresa — restituendo l’immagine di un impero multietnico, multiculturale e multireligioso che ha fatto dell’arte uno strumento di rappresentazione culturale, diffusione del sapere e dialogo tra civiltà.

Mostra | Etruschi e Veneti. Acque, culti e santuari (Venezia)
2026-03-06 00:00 - 2026-09-29 23:59 | Palazzo Ducale – Venezia, San Marco 1, Venezia, Italy
Apre a Venezia la mostra Etruschi e Veneti. Acque, culti e santuari: un racconto intorno al complesso e affascinante mondo delle pratiche religiose antiche, in cui l’acqua assume un valore generativo, terapeutico e identitario, che aprirà al pubblico dal 6 marzo al 29 settembre 2026 nelle sale dell’Appartamento del Doge di Palazzo Ducale.

Questa mostra ci insegna che l’antico è sempre presente e che Venezia si conferma centro delle arti e della promozione di grandi relazioni culturali. Il legame tra gli antichi Etruschi e i Veneti, forte e naturale, spiega le origini della civiltà italiana, che ha poi trovato in Roma la sua perfetta sintesi. La mostra ci dice anche qualcosa di più: servono istituzioni consapevoli per inviare segnali di relazione, partecipazione e confronto attraverso la cultura. Soprattutto quella antica, che ha ancora moltissimo da insegnarci dichiara il Ministro della Cultura, Alessandro Giuli.

Venezia apre le porte di Palazzo Ducale a un racconto che parla alle radici dell’Italia e, allo stesso tempo, al nostro presente: le civiltà crescono quando sanno incontrarsi, scambiarsi idee e linguaggi, senza rinunciare alla propria identità. Il filo conduttore dell’esposizione è l’acqua: elemento che unisce, collega e crea percorsi. È un messaggio particolarmente potente qui a Venezia, città d’acqua per eccellenza, dove la storia non è un fondale ma un’esperienza quotidiana. Questa mostra è il frutto di un lavoro lungo e paziente tra istituzioni, musei, studiosi e professionisti: un esempio concreto di cultura come responsabilità condivisa e come servizio pubblico. È anche un tassello della nostra scelta di puntare sulla qualità dell’offerta culturale e dell’esperienza di visita, ampliando i percorsi e offrendo occasioni di conoscenza che invitano a tornare e a guardare con calma. Invito cittadini e visitatori a scoprire l’esposizione e a partecipare al calendario di incontri e approfondimenti: perché la storia, quando è raccontata con rigore e passione, non ci dice solo ciò che siamo stati, ma ci aiuta a capire chi vogliamo essere, ricorda Luigi Brugnaro, Sindaco di Venezia

Saluto a questa importante iniziativa espositiva che, attraverso il dialogo tra civiltà, valorizza le radici più antiche del nostro territorio e il ruolo dell’acqua come elemento di incontro tra culture. Progetti come questo contribuiscono a rafforzare la conoscenza e la valorizzazione del patrimonio storico e culturale del Veneto, rendendolo accessibile a cittadini, studiosi e visitatori interviene Valeria Mantovan, Assessore Regione Veneto all’Istruzione – Formazione – Competenze e Cultura

Un confronto inedito e peculiare, un’indagine comparata sul ruolo fondativo dell’acqua nell’orizzonte del sacro e per lo sviluppo delle società in due grandi civiltà dell’Italia preromana, Etruschi e Veneti, nel corso del I millennio a.C.: mari, fiumi, sorgenti salutifere e acque termali sono gli ambienti privilegiati di contatto con il divino, spazi di guarigione, ma anche luoghi per la crescita della collettività, mete per il transito e per lo scambio culturale. L’esposizione riunisce reperti archeologici di straordinario valore, molti dei quali inediti e provenienti da scavi recenti, grazie a prestiti di eccezionale prestigio concessi da importanti istituzioni museali italiane. La mostra si configura così come un momento di sintesi avanzata della ricerca archeologica, volta a coniugare rigore scientifico e forte impatto mediatico.

La mostra rappresenta un progetto di grande respiro scientifico e divulgativo, in cui a emergere è il dialogo tra due civiltà differenti per geografie e radici culturali, tra cui sono fioriti scambi e relazioni lungo quel confine nella ‘terra tra i due fiumi’. Uno scambio di materie prime, reso possibile con l’apertura di nuove vie commerciali, ma anche di idee, culture, saperi. Fiumi, mari e acque sono l’emblema del movimento costante, come quello delle persone, unendosi e conducendo a forme di reciproca conoscenza di uomini e di donne. Il progetto espositivo a cura di Chiara Squarcina e Margherita Tirelli, è organizzato dalla Fondazione Musei Civici di Venezia, con il patrocinio del Ministero della Cultura, dell’Istituto Nazionale di Studi Etruschi e Italici, realizzata in collaborazione con la Fondazione Luigi Rovati di Milano, che ospiterà un secondo momento espositivo nell’autunno del 2026 (14 ottobre – 10 gennaio 2027) rafforzando una collaborazione virtuosa tra istituzioni e territori, fondata sulla ricerca archeologica e sulla valorizzazione del patrimonio nazionale.

La mostra Etruschi e Veneti. Acque, culti e santuari nasce dalla collaborazione tra un’istruzione pubblica ed una fondazione privata che dimostra come la cooperazione tra soggetti diversi possa generare nuove occasioni di ricerca, valorizzazione e sperimentazione culturale. Anche il progetto espositivo riflette questo modello di complementarità, sviluppandosi infatti in due sedi: qui a Palazzo Ducale, nelle Stanze del Doge per poi proseguire a Milano presso la nostra Fondazione. Due percorsi distinti ma connessi, che permettono al pubblico di approfondire il tema delle acque sacre con prospettive diverse e di costruire un’esperienza culturale che si estende nel tempo e nello spazio. Giovanna Forlanelli, Presidente Fondazione Luigi Rovati, Milano

Mostra | Sulle strade della Regina. Alle origini dell’automobile moderna (Stupinigi - Torino)
2026-03-06 00:00 - 2026-06-28 23:59 | Palazzina di Caccia di Stupinigi, Piazza Principe Amedeo 7, Nichelino, Italy
Tra cavalli e motori: la mostra Sulle strade della Regina. Alle origini dell’automobile moderna, dal 6 marzo al 28 giugno 2026 nella Citroniera di Ponente della Palazzina di Caccia di Stupinigi (TO), racconta il passaggio dalla carrozza all’automobile ai tempi di Margherita di Savoia mettendo in relazione eleganza formale, innovazione tecnica e trasformazioni della mobilità. Prodotta da FOM – Fondazione Ordine Mauriziano e MAUTO – Museo Nazionale dell’Automobile, la mostra mette per la prima volta a confronto automobili storiche provenienti dal MAUTO e carrozze ottocentesche della collezione Nicolotti Furno, offrendo un nuovo sguardo sul mondo dei trasporti tra XIX e XX secolo.
Il percorso espositivo attraversa un secolo di cambiamenti culturali e tecnologici, dalle carrozze – come Landau Ronde, Phaeton, Coupè Brougham, espressioni di prestigio, ritualità e status sociale – alle prime automobili italiane e straniere, tra cui Fiat Tipo Zero A, Isotta Fraschini BN 30/40 HP, Oldsmobile 6C Curved Dash, Benz Victoria. Ogni mezzo racconta un mondo in trasformazione: dalla lentezza e ritualità dei viaggi in carrozza, segno evidente di rango e potere, alla novità e al fascino delle prime automobili, ancora rare e sorprendenti, che condividono le strade con i cavalli. Costruttori come Benz, Fiat, Decauville, De Dion Bouton presentano modelli unici, spesso realizzati su misura e destinati a una committenza limitata e selezionata.
La mostra è ospitata nella Citroniera di Ponente, uno spazio che per estensione e sviluppo longitudinale consente di articolare con chiarezza il confronto tra carrozze ed automobili, diventando parte integrante della narrazione. L’allestimento segue un percorso cronologico che mette in relazione mezzi a trazione animale e primi veicoli a motore, permettendo di leggere in modo diretto l’evoluzione delle soluzioni tecniche, dei materiali, delle prestazioni e delle funzioni, in una fase storica in cui le due tipologie di trasporto convivono. Il racconto si intreccia poi con la figura di Margherita di Savoia, che durante la sua permanenza a Stupinigi visse in prima persona questa fase di transizione. Attenta alle innovazioni e alle nuove tecnologie, la Regina utilizzò sia le carrozze tradizionali sia le prime automobili, diventando testimone e protagonista dei modelli di mobilità tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento. Lei stessa aveva la patente di guida e possedeva una scuderia di tredici automobili, ciascuna identificata da un nome di uccello: Palombella, Falco, Falchetto, Sparviero, Aquila, Alcione, Condor, Allodola, Stornello, ecc…
Tra le carrozze in mostra figurano la Landau Ronde (detta comunemente in Italia Landò), realizzata da Locati nel 1880; la Milord della Carrozzeria Orsaniga Enrico di Milano del 1860 e la Clarence, appartenente alla categoria dei Brougham o Brumm, dei Fratelli Macchi di Varese del 1870. La Phaeton, carrozza leggera ed agile, deve il suo nome al mito di Fetonte, il giovane figlio di Apollo che sfidò il cielo sul carro del sole: con le sue quattro ruote imponenti e il corpo snello, era pensata per una guida veloce ed elegante. Due gli esemplari presenti: la Stanhope Phaeton dei Successori Canovai di Firenze del 1870 e la Spider Phaeton di Mulbacher (Parigi) del 1880, più moderna e sicura pur mantenendo un carattere sportivo nella struttura “a ragno”. L’Omnibus Privé del 1880 della carrozzeria Dufour di Bordeaux; la Vis a Vis della Società M. Locati e G. Torretta del 1890. La carrozza sportiva Break Wagonette della Bottazzi di Napoli del 1890, utilizzata per passeggiate in campagna: il nome deriva da “to break” addestrare i cavalli e la Coupé Brougham, chiamata anche Brum in Italia della Cesare Sala del 1870.
Accanto alle carrozze, la mostra presenta una selezione significativa di automobili delle origini provenienti dalla preziosa collezione del MAUTO: la Benz Victoria del 1893 progettata da Karl Benz, considerato con Gottlieb Daimler il padre dell’automobile; la Decauville 3½ HP, vincitrice della Parigi-Amsterdam-Parigi del 1898; la Hurtu 3 HP del 1898; la De Dion-Bouton 1¾ HP del 1899, versione a quattro ruote prodotta dai vincitori della prima corsa automobilistica al mondo, la Parigi-Rouen. Clément-Panhard VCP 3 HP del 1899; la Oldsmobile 6C Curved Dash del 1904 primo modello di grande diffusione commerciale. La Fiat 16/20 HP del 1906, prodotta in 462 esemplari, elegante landaulet donata al MAUTO dalla contessa Sofia di Bricherasio; la Vinot & Deguingand 14/20 HP del 1907; l’Isotta Fraschini BN 30/40 HP del 1910, modello di lusso della casa milanese; Panhard & Levassor X17 SS del 1912 con il caratteristico motore “avalve” e la Fiat Tipo Zero A del 1913, prima utilitaria della casa torinese.

INFO
Palazzina di Caccia di Stupinigi
Piazza Principe Amedeo 7, Stupinigi – Nichelino (TO)
011 6200634 stupinigi@biglietteria.ordinemauriziano.it
www.ordinemauriziano.it
Biglietti:
Mostra: intero 8 euro; ridotto 6 euro; scuole 3 euro
Palazzina + mostra: intero 18 euro; ridotto 14 euro; scuole 8 euro
Giorni e orari di apertura: da martedì a venerdì 10-17,30 (ultimo ingresso ore 17); sabato, domenica e festivi 10-18,30 (ultimo ingresso ore 18)
I possessori del biglietto della mostra Sulle strade della Regina. Alle origini dell’automobile moderna hanno diritto alla tariffa ridotta per l’ingresso al MAUTO per l’intera durata della mostra (6 marzo – 28 giugno 2026).
I possessori del biglietto di ingresso del MAUTO hanno diritto alla tariffa ridotta per l’ingresso alla mostra Sulle strade della Regina. Alle origini dell’automobile moderna.

Mostra | I Guardi di Calouste Gulbenkian (Venezia)
2026-03-07 00:00 - 2026-06-08 23:59 | Ca’ Rezzonico – Museo del Settecento Veneziano, Dorsoduro 3136, Venezia, Italy
Un’esposizione che racchiude lo spirito del Settecento nel suo luogo più emblematico e, insieme, un dialogo tra istituzioni internazionali, tra storie di collezioni e collezionisti.

La stagione espositiva di Ca’ Rezzonico – Museo del Settecento Veneziano apre dal 7 marzo all’8 giugno 2026 con degli ospiti d’onore. Una selezione di dipinti di Francesco Guardi (1712-1793), provenienti da una delle raccolte più importanti al mondo di opere dell’ultimo grande vedutista veneziano del Settecento: il Museo Calouste Gulbenkian di Lisbona.

Aperto nel 1969, il Museo Calouste Gulbenkian ha come cuore originario delle sue raccolte la collezione dell’imprenditore e filantropo armeno, naturalizzato inglese, Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955). Noto per i suoi gusti raffinati, per i vasti interessi, la profonda conoscenza e l’eclettismo del collezionismo artistico che spaziavano dall’arte greca e romana all’Impressionismo, dal Rinascimento Italiano al Seicento europeo, passando per l’arte decorativa. Le diciannove opere di Guardi da lui acquisite tra il 1907 e il 1921 sono riconosciute tra le più celebri dell’artista, famoso per avere iniziato a dipingere vedute in età matura, dopo anni di sperimentazioni nel campo della pittura di storia e di genere e testimoniano, una volta di più, anche la complessa e dinamica costituzione della stessa raccolta museale.
Allo stesso tempo, il loro ritorno a Venezia si inserisce nel percorso e nella narrazione del luogo emblema del Settecento veneziano, nella storia del collezionismo e delle raccolte civiche, attraverso il dialogo con disegni di Francesco Guardi provenienti dai fondi del Gabinetto dei disegni e delle stampe: un nucleo di opere su carta, originariamente acquisite dal “padre” delle collezioni civiche, Teodoro Correr.

Tutte databili tra il 1770 e 1790, le dieci opere parte della mostra I Guardi di Calouste Gulbenkian, esposte nel portego al primo piano di Ca’ Rezzonico, rappresentano una straordinaria testimonianza dello stile dell’artista, fatto di pennellate allusive e di proporzioni liberamente sfalsate che producono vedute in cui la struttura prospettica appare elastica. Ormai lontana dalle certezze geometriche di Canaletto e della sua camera ottica, la Venezia ritratta da Francesco Guardi è composta da edifici corrosi dalla luce, resi attraverso una pittura tremolante, quasi che il pittore voglia offrire un’immagine interiore della città e di una civiltà, quella veneziana, ormai in rapido declino. Anticipando, in un certo senso, i sentimenti e le tensioni proprie della stagione del Romanticismo.
I soggetti sono quelli indagati dall’artista in varie occasioni, come la Festa della Sensa in Piazza San Marco che si svolgeva il giorno dell’Ascensione, nel quale Venezia celebrava il matrimonio simbolico tra la città e il Mare. A questo evento è dedicata anche La Partenza del Bucintoro, dove si vede salpare la nave di stato con a bordo il doge in direzione della chiesa di San Nicolò al Lido, davanti alla quale veniva gettato in mare l’anello d’oro a simboleggiare l’unione tra Venezia e il mare Adriatico. Il fortunato tema delle feste e parate d’acqua si ritrova nella Regata sul Canal Grande, opera ispirata ad una veduta di Canaletto, connotata però dall’inconfondibile effetto atmosferico di Guardi. Con Il Ponte di Rialto secondo il progetto di Palladio, Guardi presenta un’immagine curiosa di come sarebbe potuto essere uno dei simboli di Venezia. Anche la Terraferma veneta è ritratta dall’artista, come testimonia la Vedute delle chiuse di Dolo.

Tra i disegni delle collezioni civiche scelti per il confronto, spiccano Il Gran Teatro La Fenice e i due celebri fogli acquerellati dedicati a Le nozze del duca di Polignac, veri e propri capolavori della grafica di Francesco, in cui il tratto sottile e aereo dà vita a composizione rarefatte e atmosferiche, quasi fossero un paravento giapponese o una pittura su seta, con i quali condividono la medesima leggerezza e fragile grazia.

Mostra | Etruscomix. Un viaggio tra segno e memoria (Cetona - SI)
2026-03-07 00:00 - 2026-10-04 23:59 | Museo Civico per la Preistoria del Monte Cetona, Via Roma, 37, Cetona, Italy
Dal 7 marzo al 4 ottobre 2026 il Museo Civico per la Preistoria del Monte Cetona ospita Etruscomix. Un viaggio tra segno e memoria, una mostra che mette in dialogo l’antica civiltà etrusca e il linguaggio del fumetto contemporaneo. L’esposizione si inserisce nel programma delle celebrazioni per i quarant’anni del Progetto Etruschi del 1985, promosse dalla Regione Toscana.
Inaugurazione sabato 7 marzo 2026 alle ore 11.
La mostra prende origine dal progetto “Etruscomix. L’Etruria in Fumetti”, nato nel 2009 dalla collaborazione tra la Soprintendenza per i Beni Archeologici dell’Etruria Meridionale e Napoli COMICON. All’epoca la mostra, ospitata al Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia a Roma, rappresentò un esperimento pionieristico: mettere in dialogo i reperti di una civiltà antica con il linguaggio visivo del fumetto.
Per l’occasione COMICON coinvolse una generazione di giovani autori — oggi affermati nel panorama internazionale — tra cui Francesco Cattani, Marino Neri, Paolo Parisi, Michele Petrucci, Alessandro Rak e Claudio Stassi, con il contributo del maestro Milo Manara. Gli artisti furono invitati a immergersi nei luoghi simbolo della civiltà etrusca, dalle necropoli di Cerveteri e Tarquinia ai paesaggi dell’Etruria, per restituire attraverso il disegno suggestioni, storie e visioni capaci di evocare il mondo quotidiano e rituale di questo antico popolo.
Oggi questo progetto viene riproposto con uno sguardo rinnovato e un nuovo allestimento, trovando nel Museo Civico per la Preistoria del Monte Cetona un contesto particolarmente significativo. Il museo custodisce infatti testimonianze fondamentali del popolamento umano nel territorio, dal Paleolitico all’Età del Bronzo, offrendo uno scenario ideale per riflettere sulle radici profonde della presenza umana in queste terre.

Mostra | Storie sul binario giusto. Il Palio di Legnano (Milano)
2026-03-10 00:00 - 2026-05-24 23:59 | Stazione Cadorna, piazzale Cadorna, Milano, Italy
Un percorso immersivo che ricostruisce ambienti medievali e racconta storia, riti e valore comunitario del Palio di Legnano, in occasione dell’850° anniversario della Battaglia di Legnano.
FNM, in collaborazione con la Fondazione Palio di Legnano, ha realizzato presso lo spazio l’Altro Deposito Bagagli della stazione di Milano Cadorna di FERROVIENORD, la mostra “Storie
sul binario giusto. Il Palio di Legnano” (Galleria commerciale, dal 10 marzo al 24 maggio 2026, da mercoledì a domenica, dalle 12:00 alle 18:00, chiuso il giorno di Pasqua, 25 aprile, 1 maggio).
L’allestimento si sviluppa attorno a un tavolo medievale allestito con oggetti e suppellettili d’epoca che includono sedie, tovaglia, piatti, bicchieri e contenitori in coccio, cucchiai, taglieri e piccoli oggetti in legno, brocche, candelabro e candele, cibi vari. Elmo, spade, maglia di ferro e nove manichini con costumi storici delle Contrade – Capitano, Castellana, cavaliere, dama, ancelle, religioso, bambini – arricchiscono il racconto della storia del Palio. Alcuni pannelli didattici e materiali multimediali provenienti dalle collezioni del Palio di Legnano completano l’esposizione; parte di questi materiali saranno posizionati nel piano ammezzato della stazione. Per visitare l’allestimento presso l’Altro Deposito Bagagli è richiesta la prenotazione gratuita con registrazione a questo link: https://www.eventbrite.it/e/biglietti-storie-sulbinario-giusto-il-palio-di-legnano-1984610365026

La mostra rientra nel programma ufficiale di MuseoCity 2026, che celebra il patrimonio museale milanese attraverso aperture straordinarie, mostre, visite guidate e attività diffuse in città.

Mostra | La statua di Amon dalla Germania al Museo Egizio (Torino)
2026-03-11 00:00 - 2036-03-11 23:59 | Museo Egizio, Via Accademia delle Scienze 6, Torino, Italy
Dall’11 marzo la Galleria dei Re accoglie la statua del dio Amon, uno dei pezzi di spicco della collezione egizia del Badisches Landesmuseum di Karlsruhe, in Germania. Il prestito sarà decennale e rappresenta un nuovo riconoscimento del ruolo del Museo Egizio, come polo di eccellenza della ricerca archeologica e snodo strategico di una rete che connette le più prestigiose istituzioni europee.
Dopo il Louvre e la Bibliothèque nationale de France, che hanno affidato a Torino il pyramidion e il Libro dei Morti di Merit, ora è il Badisches Landesmuseum di Karlsruhe a scegliere il museo torinese come sede privilegiata per un prestito di lunga durata, che testimonia la solidità delle relazioni scientifiche tra le due istituzioni.

Leggi l’articolo che Storie & Archeostorie ha dedicato all’evento:
https://storiearcheostorie.com/2026/03/09/statua-dio-amon-museo-egizio-torino/

Mostra | ORIGINE e PROSPETTIVE. Dal Museo Preistorico ed Etnografico di Luigi Pigorini al Museo delle Civiltà: storia di un museo (1876–2026)
2026-03-20 00:00 - 2026-06-28 23:59 | MUCIV – Museo delle Civiltà, Piazza Guglielmo Marconi, 14, Roma, 00144, Italy
Centocinquant’anni fa, nel 1876, inaugurava a Roma il Museo Preistorico ed Etnografico fondato dall’archeologo Luigi Pigorini. Oggi il MUCIV-Museo delle Civiltà, che dal 2016 ne è l’erede, torna a quel momento fondativo non solo per celebrarne l’origine, ma per condividere con il pubblico le prospettive aperte dalla storia stratificata dell’istituzione: una vicenda che intreccia la storia culturale dell’Italia, le relazioni internazionali e l’evoluzione disciplinare, etica e formativa dei musei.

Dal 20 marzo al 28 giugno 2026, la mostra ORIGINE e PROSPETTIVE. Dal Museo Preistorico ed Etnografico di Luigi Pigorini al Museo delle Civiltà: storia di un museo (1876–2026) proporrà quindi un doppio itinerario: da un lato la ricostruzione del museo del 1876 e del progetto museografico pigoriniano; dall’altro la presentazione del museo di oggi, con due percorsi distinti tra archeologia preistorica ed etnografia e due installazioni dedicate ai processi di aggiornamento, all’incremento dell’accessibilità fisica e cognitiva e alle pratiche di compartecipazione attivate dentro e fuori il museo.

Attraverso documenti, reperti, arredi e dispositivi espositivi d’epoca, il percorso espositivo ricostruisce la genesi in Italia dell’archeologia preistorica e dell’etnografia, ripercorrendo le trasformazioni che hanno condotto all’attuale configurazione e missione del museo.

La mostra, a cura di Paolo Boccuccia e Camilla Fratini con Myriam Pierri, in collaborazione con le Funzionarie e i Funzionari del Museo e con la supervisione generale di Andrea Viliani, è accompagnata da un convegno scientifico internazionale 150_100. Giornate di studio dedicate al centocinquantesimo anniversario dell’istituzione del Museo Preistorico ed Etnografico di Roma e al centenario della morte di Luigi Pigorini, suo ideatore e fondatore, dal 19 al 21 marzo 2026, che vuole celebrare il primo secolo e mezzo dell’istituzione non come semplice ricorrenza, ma come occasione di riflessione critica.

Ricordare il ruolo fondativo di Luigi Pigorini significa così guardare al passato per comprendere il presente e assumere, con responsabilità, il compito di connettere le proprie origini storiche alle prospettive in divenire. Un museo nato nel XIX secolo si configura oggi come un’istituzione che agisce nel presente e si proietta verso il futuro, con le sue molteplici storie ancora in corso.
Orari di apertura:
dal martedì alla domenica, ore 8.00 – 19.00
ultimo ingresso ore 18.30
TUTTE LE PRIME DOMENICHE DEL MESE
INGRESSO GRATUITO SENZA PRENOTAZIONE

Mostra | Vasari e Roma (Roma)
2026-03-20 00:00 - 2026-09-06 23:59 | Musei Capitolini – Palazzo Caffarelli, Piazzale Caffarelli, Roma, Italy
A conclusione delle celebrazioni per i 450 anni dalla morte di Giorgio Vasari (1511-1574), Roma rende omaggio a uno dei grandi protagonisti del Rinascimento con un progetto espositivo dedicato al profondo e duraturo legame tra l’artista aretino e la città eterna.

La mostra ricostruisce il percorso culturale e artistico compiuto da Giorgio Vasari nei suoi diversi soggiorni romani con l’intento di restituire al pubblico dei Musei Capitolini la ricchezza e la complessità della sua figura poliedrica di pittore, architetto, scenografo e biografo, ma anche di straordinario interprete e testimone delle vite di papi, signori, letterati e artisti del XVI secolo, grazie anche ai numerosi capolavori in prestito da importanti istituzioni italiane e internazionali tra cui Palazzo Barberini, il Vive – Palazzo Venezia, la Galleria degli Uffizi, l’Archivio di Stato di Firenze, la Pinacoteca Nazionale di Bologna, l’Archivio della Fondazione Casa Buonarroti, il Gabinetto dei Disegni e delle Stampe della Galleria degli Uffizi, la Biblioteca Apostolica Vaticana, il Museo e Real Bosco di Capodimonte, il Museo Nazionale di Siena e il Móra Ferenc Múzeum di Szeged (Ungheria).
Il progetto mette in luce il ruolo determinante che Roma ebbe nella formazione del giovane Vasari, nel confronto con l’arte antica e con i grandi modelli della modernità – da Raffaello al Michelangelo “romano” – e nel rapido e straordinario sviluppo della sua carriera al servizio di prestigiosi prelati e pontefici.

Orario

Dal 20 marzo 2026 al 6 settembre 2026
Tutti i giorni ore 9.30-19.30
Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura
Giorno di chiusura: 1° maggio

Biglietto d’ingresso

Tariffe Musei Capitolini con mostra Vasari e Roma
intero non residenti € 19,50
ridotto non residenti € 14,00
gratuito per i possessori della Roma MIC card in corso di validità, residenti a Roma e città metropolitana (mediante esibizione di valido documento che attesti la residenza) e per tutte le categorie previste dalla tariffazione vigente
gratuito e/o ridotto per i possessori della Roma Pass
Per biglietti cumulativi e altri dettagli visita la pagina > biglietti

Informazioni

Tel 060608 attivo tutti i giorni dalle ore 9.00 alle ore 19.00
Promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni culturali
Organizzata con Associazione MetaMorfosi
In collaborazione con Zètema Progetto Cultura

Curatore
Alessandra Baroni

Mostra | Dall’uovo alle mele. La civiltà del cibo e i piaceri della tavola a Ercolano (Ercolano - NA)
2026-03-28 00:00 - 2026-06-14 23:59 | Villa Campolieto, Corso Resina, 283, Ercolano, Italy
La mostra “Dall’uovo alle mele. La civiltà del cibo e i piaceri della tavola a Ercolano” prolunga la propria presenza a Villa Campolieto fino al 14 giugno 2026, per poi compiere un salto significativo: dal 14 luglio l’esposizione si trasferisce negli spazi di Castel Sant’Angelo a Roma, in una nuova tappa che amplia la portata del progetto e lo porta nel cuore della Capitale.

Una nuova sede che dialoga con Ercolano
La scelta di Castel Sant’Angelo non è casuale. Il monumento romano è esso stesso il risultato di una lunga stratificazione di funzioni, epoche e significati: mausoleo imperiale, fortezza medievale, residenza papale, museo. Come Ercolano, sepolta dall’eruzione del Vesuvio e straordinariamente conservata nella sua quotidianità, Castel Sant’Angelo porta in sé il peso di secoli sovrapposti senza che nessuno di essi sia davvero scomparso.

In entrambi i casi il passato non si è dissolto: si è depositato nel tempo, trasformando i luoghi stessi in parte integrante del racconto. È questa affinità di fondo – tra una città che il Vesuvio ha fermato e un monumento che ogni epoca ha riscritto – a fare di Castel Sant’Angelo la sede naturale per una mostra che racconta come si viveva, si mangiava e ci si prendeva cura di sé nell’antica Ercolano.

La mostra
Aperta il 28 marzo 2025 negli spazi monumentali di Villa Campolieto sul Miglio d’Oro, l’esposizione conduce i visitatori in un percorso immersivo dedicato alla cultura alimentare nell’antica Ercolano. Reperti organici di straordinaria conservazione – pane, cereali, legumi, frutta, uova, frutti di mare restituiti in forma carbonizzata dall’eruzione del 79 d.C. – dialogano con utensili, vasellame e oggetti di uso quotidiano, restituendo con precisione le abitudini degli antichi Ercolanesi dalla produzione allo smaltimento del cibo.

L’allestimento, concepito secondo la formula della “stanza nella stanza” nel rispetto degli ambienti decorati del piano nobile di Villa Campolieto – splendida dimora settecentesca progettata da Luigi Vanvitelli – valorizza sia la collezione archeologica sia gli spazi storici. Il cibo, inteso come elemento identitario e sociale, diventa il filo conduttore di un viaggio che unisce presente e passato, grazie anche alla presenza di immagini della moderna Ercolano che dialogano con la quotidianità del mondo romano.

La mostra si inserisce nel ciclo “Ercolano 1738–2018. Talento Passato e Presente”, che valorizza gli aspetti più significativi della vita nell’antica città attraverso esposizioni dedicate agli ori, ai legni e al cibo, ospitate nei luoghi più rappresentativi del territorio.

Informazioni per la visita
Fino al 14 giugno 2026 – Villa Campolieto
Luogo: Villa Campolieto, Corso Resina 283, Ercolano (NA)
Date: 28 marzo – 14 giugno 2026
Orario: 9:00 – 19:00 (ultimo ingresso ore 18:00)
Parcheggio: interno gratuito fino a esaurimento posti

Dal 14 luglio 2026 – Castel Sant’Angelo, Roma
Ulteriori informazioni su date, orari e biglietti per la sede romana saranno comunicate prossimamente.

Biglietti (Villa Campolieto)
Combinato Parco Archeologico + Mostra: € 19,00 intero – € 4,00 ridotto (6–18 anni e aventi diritto secondo normativa)
Combinato Villa Campolieto + Mostra: € 7,00 intero
Gratuito: under 6; persone con disabilità e un accompagnatore

Siti e prenotazioni
Sito mostra: ercolano.cultura.gov.it/dalluovoallemele
Sito Ville Vesuviane: https://www.villevesuviane.net/le-ville/villa-campolieto/
Acquisto online: https://www.coopculture.it/it/eventi/evento/dalluovo-alle-mele.-la-civilta-del-cibo-e-i-piaceri-della-tavola-ad-ercolano/

Leggi anche
https://storiearcheostorie.com/2025/03/28/dalluovo-alle-mele-a-ercolano-la-mostra-che-svela-la-civilta-del-cibo/

Mostra | Giovanni Antonio Bazzi detto il Sodoma - Alla conquista del Rinascimento (Torino)
2026-03-31 00:00 - 2026-09-06 23:59 | Museo di Arti Decorative Accorsi-Ometto, via Po 55, Torino, Italy
La Fondazione Accorsi-Ometto annuncia un’importante rassegna dedicata a Giovanni Antonio Bazzi detto il Sodoma, a quasi ottant’anni dall’ultima grande retrospettiva che si tenne nel 1950 a Vercelli e a Siena.
La mostra, curata da Serena D’Italia, Luca Mana e Vittorio Natale, con il comitato scientifico composto da Roberto Bartalini, Francesco Frangi ed Edoardo Villata, propone per la prima volta all’attenzione del pubblico la produzione iniziale del pittore, nella quale emerge un’elaborazione frenetica delle diverse esperienze maturate dall’artista che gli hanno permesso di sviluppare un linguaggio del tutto personale.
Le oltre cinquanta opere presenti in mostra, alcune delle quali inedite o mai esposte prima, provengono da prestigiose collezioni private e da importanti istituzioni pubbliche, come l’Accademia Carrara di Bergamo; il Museo Civico e Gipsoteca Bistolfi di Casale Monferrato (AL); la Pinacoteca di Brera di Milano; il Musée Jacquemart-André di Parigi; i Musei Civici di Pavia; la Fondazione Guglielmo Giordano di Perugia; l’Arciconfraternita di Santa Maria dell’Orto, la Galleria Borghese, i Musei Vaticani e la Pinacoteca Capitolina di Roma; la Collezione Chigi Saracini, Banca Monte dei Paschi di Siena e la Pinacoteca Nazionale di Siena; la Parrocchia Spirito Santo di Sommariva Perno (CN); la Biblioteca Reale, la Galleria Sabauda, i Musei Reali, Palazzo Madama e la Pinacoteca dell’Accademia Albertina di Torino; il Palazzo dei Musei Pinacoteca di Varallo; l’Archivio Storico Comunale e il Museo Francesco Borgogna di Vercelli.
Dalla bottega di Giovanni Martino Spanzotti, ai cicli di affreschi in Sant’Anna in Camprena (1503-1504) e nel chiostro di Monteoliveto (1505-1508), nel Senese, per giungere alle straordinarie puntate a Roma, sorretto dalla committenza di Agostino Chigi, Sodoma compie un viaggio che il percorso espositivo tenta idealmente di ricostruire.
A confermare l’intensità degli scambi tra il Piemonte e il centro Italia, dalla fine del Quattro agli inizi del Cinquecento, sono esposte alcune importanti opere di Macrino d’Alba (come la Madonna col Bambino in trono e santi della Pinacoteca Capitolina di Roma e una inedita predella con Cristo e gli apostoli proveniente dalla residenza papale di Castel Gandolfo), di Gaudenzio Ferrari; di Eusebio Ferrari e di Gerolamo Giovenone una delle varie versioni della Madonna d’Orleans di Raffaello.

Mostra | Gli Etruschi e l’Olanda. A/R dei bronzi Corazzi (Milano)
2026-04-01 00:00 - 2026-10-04 23:59 | Fondazione Luigi Rovati ETS, Corso Venezia 52, Milano, Italy
Mercoledì 1° aprile apre al pubblico la mostra Gli Etruschi e l’Olanda. A/R dei bronzi Corazzi: il progetto riunisce il nucleo di preziosi bronzi etruschi della collezione Corazzi, oggi conservato al Rijksmuseum van Oudheden, che eccezionalmente rientra in Italia.
Ospitata al Piano Ipogeo fino al 4 ottobre, la mostra sviluppa il percorso avviato al MAEC di Cortona, con un approfondimento sui reperti etruschi della collezione Corazzi e sul ruolo del collezionismo privato nella formazione del patrimonio culturale, tra dimensione locale ed europea. Accanto ai bronzi, una selezione di volumi antichi ne ricostruisce la fortuna critica, mettendo in evidenza il valore delle fonti bibliografiche come strumenti fondamentali per comprendere la storia delle opere e del loro collezionismo. La relazione con l’esposizione permanente della Fondazione evidenzia come le raccolte private possano diventare strumenti di conoscenza condivisa, dai nuclei originari dei musei pubblici fino alle attuali forme di integrazione tra istituzioni pubbliche e private.
La mostra è realizzata in collaborazione con il Rijksmuseum van Oudheden di Leida, il MAEC – Museo dell’Accademia Etrusca e della Città di Cortona e il Comune di Cortona.

Leggi l’articolo completo dedicato alla mostra:

https://storiearcheostorie.com/?author=239836944
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Gli Etruschi tornano “da Leida”: a Milano i bronzi Corazzi raccontano Cortona
E. P.
Apre a Milano, negli spazi ipogei della Fondazione Luigi Rovati, la mostra Gli Etruschi e l’Olanda, che riporta temporaneamente in Italia uno dei nuclei più significativi della celebre collezione Corazzi, oggi conservata al Rijksmuseum van Oudheden. È un ritorno carico di implicazioni storiche e archeologiche, perché questi bronzi rappresentano una delle testimonianze più precoci dello studio sistematico delle antichità etrusche.
STATUETTA DI MAIALE. Produzione etrusca. Proveniente da Cortona. Fine V-IV sec. a.C. Bronzo. Rijksmuseum van Oudheden, Leiden – Inv. CO 17
Fondazione Luigi Rovati, Piano Ipogeo, Fanciullo con oca. Foto Daniele Portanome
Bronzetti votivi e iscrizioni: il cuore della collezione
Il nucleo dei bronzi Corazzi si distingue per la forte componente votiva. Molti esemplari provengono infatti da contesti santuariali dell’area cortonese e del lago Trasimeno, dove offerte in bronzo venivano deposte come gesto rituale.
STATUETTA DEL DIO LARAN (COSIDDETTO “MARTEDI RAVENNA”) CON ISCRIZIONE VOTIVA IN ETRUSCO –THUCER HERMENAS TURUCE: THUCER HERMENAS(MI) DEDICÒ . Produzione etrusca proveniente da Ravenna (?) 540-520 a.C.Bronzo. Rijksmuseum van Oudheden, LeidenInv. CO 1
Tra i pezzi più significativi spiccano alcune piccole sculture che conservano ancora tracce epigrafiche: iscrizioni etrusche incise direttamente sul metallo, che consentono di ricollegare l’oggetto a una precisa funzione cultuale. Il cosiddetto “putto con oca”, ad esempio, appartiene a questa categoria di offerte votive ed è accompagnato da iscrizione, così come il grifone bronzeo da Campaccio, databile alla metà del IV secolo a.C., legato a un culto dedicato a Tinia, divinità suprema del pantheon etrusco.
Questi oggetti rivelano una produzione di alto livello, caratterizzata da fusione a cera persa, rifiniture puntuali e attenzione anatomica, elementi che indicano botteghe specializzate attive tra VI e IV secolo a.C.
STATUETTA DI OFFERENTE CON COLOMBA (?). Produzione etrusca da Montecchio (Castiglion Fiorentino) Fine IV-prima metà III sec. a.C. Bronzo. Rijksmuseum van Oudheden, Leiden Inv. CO 30
Un “santuario disperso”: la raccolta Corazzi tra scavo e mercato antiquario
La collezione nacque nel Settecento come raccolta privata, ma molti dei bronzi derivano da rinvenimenti locali, talvolta interpretati come parte di veri e propri depositi votivi, come quello di Montecchio.
Già gli antiquari dell’epoca riconoscevano il valore eccezionale di questi materiali: un inventario ottocentesco descrive bronzi con iscrizioni, figure divine, animali simbolici e oggetti rituali, tra cui candelabri e strumenti legati al sacrificio.
STATUETTA DI FANCIULLO CON OCA E ISCRIZIONEVOTIVA IN ETRUSCO – VELIAS · FANACNAL · UFLAS/ ALPAN · MENAE · CLEN · CEA · TUINES · TLENAEIS:VELIA FANACNEI DEDICÒ (QUESTO OGGETTO)A THUFLTHA PER IL BENESSERE DEL SUO BAMBINOProduzione etrusca. Proveniente da Montecchio (Castiglion Fiorentino). Metà II sec. a.C. Bronzo. Rijksmuseum van Oudheden, Leiden Inv. CO 4
Questa varietà suggerisce un contesto cultuale articolato, in cui offerte diverse convivevano all’interno di uno stesso spazio sacro.
Dal museo privato all’Europa: la fortuna dei bronzi etruschi
La storia della collezione riflette la nascita dell’archeologia moderna. Nel XVIII secolo, opere come il Museum Etruscum diffusero in tutta Europa immagini e descrizioni di questi reperti, contribuendo alla formazione dell’“etruscomania” e alla circolazione di modelli iconografici.

Venduta nel 1826 ai Paesi Bassi, la raccolta divenne la prima grande collezione etrusca oltre le Alpi, segnando un passaggio decisivo verso la musealizzazione pubblica del patrimonio.
Un ritorno che è anche rilettura critica
La mostra milanese mette in dialogo i bronzi con i libri che ne hanno tramandato immagini e interpretazioni. Il risultato è un percorso che restituisce la doppia vita dell’oggetto archeologico: materiale e culturale, tra scavo, collezionismo e studio.
FILIPPO BUONARROTI. Ad monumenta Etrusca operi Dempsteriano additaexplicationes et conjecturae (1723-24) Fondazione Luigi Rovati, MilanoPubblicato in aggiunta a Thomas Dempster. De Etruria regali. Firenze:ex Typographia Albizziniana, 1723-1724
Un ritorno temporaneo che, più che chiudere un cerchio, riapre il dibattito sul rapporto tra territorio, memoria e circolazione delle opere.
Accompagna la mostra il catalogo Gli Etruschi e l’Olanda. A/R dei bronzi Corazzi, edito dalla Fondazione Luigi Rovati, che raccoglie saggi e contributi di Paolo Bruschetti, Luigi Donati, Ruurd Binnert Halbertsma, Paolo Giulierini, Giulio Paolucci e Patrizia Rocchini.
ℹ️ INFORMAZIONI UTILI
✅ GLI ETRUSCHI E L’OLANDA. A/R dei bronzi Corazzi📍 Milano, Fondazione Luigi Rovati📅 1° aprile – 4 ottobre 2026🌐 Info: www.fondazioneluigirovati.org
#archeologia #archeologiaEtrusca #bronziCorazzi #collezionismo #Cortona #Etruschi #FondazioneRovati #iscrizioniEtrusche #Leida #Milano #mostreMilano #santuariEtruschi

2 April 2026, 11:16 0 aumenti 0 preferiti

Mostra | Una Sfinge l'attrae. Massimiliano d’Asburgo e le collezioni egizie tra Trieste e Vienna (Trieste)
2026-04-02 00:00 - 2026-11-01 23:59 | Castello di Miramare, viale Miramare, Trieste, Italy
Ritorna a Trieste parte della collezione egizia dell’arciduca Ferdinando Massimiliano d’Asburgo grazie alla collaborazione tra il Museo storico di Miramare e il Kunsthistorisches Museum di Vienna.
L’esposizione è curata da Massimo Osanna, Christian Greco, Cäcilia Bischoff e Michaela Hüttner.
In mostra oltre cento reperti, in prestito anche dal Civico Museo d’Antichità J.J. Winckelmann di Trieste, testimonianza della passione per l’egittologia nel panorama del collezionismo ottocentesco triestino.
Leggi l’articolo dedicato alla mostra su Storie & Archeostorie:
Trieste ritrova l’Egitto di Massimiliano d’Asburgo: torna a Miramare la collezione “perduta”

Mostra | Regine in scena. L’arte del costume italiano tra cinema e teatro (Venaria Reale - TO)
2026-04-17 00:00 - 2026-09-06 23:59 | Reggia di Venaria, Piazza della Repubblica 4, Venaria Reale, Italy
Alla Reggia di Venaria, complesso monumentale alle porte di Torino tra i più visitati
in Italia, dal 17 aprile al 6 settembre 2026 il Consorzio delle Residenze Reali
Sabaude – presieduto da Michele Briamonte con la direzione di Chiara Teolato –
organizza una grande mostra su straordinari abiti che hanno definito
l’immagine delle regine nel cinema e nel teatro.
La mostra è curata da Massimo Cantini Parrini, pluripremiato costumista, profondo
conoscitore del costume antico e collezionista di abiti d’epoca, con Clara Goria, storica
dell’arte e conservatrice del Centro Studi del Consorzio delle Residenze Reali Sabaude.
Regine in scena. L’arte del costume italiano tra cinema e teatro riunisce nelle
Sale delle Arti della Reggia una selezione di 31 abiti che hanno definito, nel tempo,
l’immagine della regina nel cinema e nel teatro, restituendo al costume la sua
funzione più profonda: non semplice ornamento, ma dispositivo capace di generare
percezione di potere, identità e visione.
La mostra è dedicata al tema della regalità come invenzione scenica, un
linguaggio che attraversa i secoli e i generi, costruendo figure capaci di imporsi
nell’immaginario prima ancora della parola. Al centro, l’arte del costume tra cinema e
teatro, officine diverse della stessa meraviglia: nel cinema il costume vive nel dettaglio,
nella luce e nell’inquadratura che ne rivelano la materia; in teatro governa lo spazio, deve
essere leggibile da lontano e respirare con l’attore e con il tempo della scena.
La mostra si inserisce nel filone tematico espositivo della Reggia di Venaria
dedicato alla moda e al costume avviato nel 2011 con Moda in Italia. 150 anni di
eleganza (1861–2011). Ma il racconto della sovranità femminile è anche un
modo per tornare alla nascita del complesso della Venaria Reale, alla metà del
Seicento, in cui ebbero un ruolo centrale le duchesse Cristina di Francia e Maria
Giovanna Battista di Savoia Nemours.
IL PERCORSO DELLA MOSTRA
Il percorso narrativo della mostra si articola attorno a tre nuclei fondamentali —
mito, storia, fantasia — che si intrecciano nella costruzione dell’immaginario scenico,
tra ricerca filologica e interpretazione poetica. Regine mitologiche e leggendarie, regine
fantastiche nate dalla letteratura e dalla drammaturgia e sovrane realmente esistite
convivono in un racconto che supera la distinzione tra vero e immaginato, affermando
una verità più profonda: quella del linguaggio visivo.
Oro, argento e bronzo sono i colori della mostra che rimandano alla regalità, segnando le
tre sezioni: Fantasia in argento, Mito in bronzo e Storia in oro. L’allestimento stesso si
configura come un’architettura prospettica in tre atti (Mito, Storia, Fantasia) e undici
scene che mette in luce una selezione di 31 abiti d’autore, firmati da grandi
costumisti e artisti, realizzati da eccellenze sartoriali italiane per celebri regie ed
interpreti.
Tra le presenze in mostra emergono figure iconiche della regalità scenica:
l’Incantevole Strega, la regina degli specchi, interpretata da Monica Bellucci
in I fratelli Grimm di Terry Gilliam (2005), Ariadne, regina della luna/Valentina
Cortese ne Le avventure del barone di Münchausen (1988) e Titania, regina delle
fate/Michelle Pfeiffer in Sogno di una notte di mezza estate (1999) nei costumi di
Gabriella Pescucci. Tra le regine del mito compaiono Giocasta/Silvana Mangano e
Medea/Maria Callas nel cinema di Pier Paolo Pasolini (1967, 1969) nei costumi dei
maestri Piero Tosi e Danilo Donati. E poi le regine nella storia, Cleopatra/Liz Taylor
nei faraonici abiti del kolossal di Mankiewitz del 1963, Elisabetta I
d’Inghilterra/Rossella Falk in Maria Stuarda di Franco Zeffirelli vestita da Anna
Anni, Anna Bolena/Angelina Jolie nel ruolo di Maria Callas in Maria di Pablo
Larraín (2024) e Maria Antonietta/Mélanie Laurent ne Le Déluge. Gli ultimi giorni
di Maria Antonietta di Gianluca Jodice (2024), quest’ultimo in parte girato nella stessa
Reggia di Venaria, entrambe nei costumi di Massimo Cantini Parrini. E ancora, Maria
Antonietta interpretata da Kirsten Dunst, che ridefinisce un’immagine pop e
contemporanea della regina per la regia di Sofia Coppola (2006), fino a Elisabetta di
Baviera, la mitica Sissi, consacrata dal cinema con il volto di Romy Schneider
in Ludwig di Luchino Visconti (1973).
Il viaggio proposto al visitatore attraversa cinema, teatro e opera lirica fino alle più
recenti serie televisive, costruendo un dialogo continuo tra epoche, stili e linguaggi.
La Reggia di Venaria diventa parte integrante della narrazione: le sue
architetture amplificano la teatralità dei costumi, mentre lo spazio e la prospettiva
permettono di coglierne pienamente silhouette, proporzioni e presenza scenica. In luce
emergono tessuti, ricami, cromie, pesi e strutture, insieme ai bozzetti originali riprodotti
in mostra, che rivelano il processo creativo alla base della costruzione dell’immagine
regale.
In mostra opere dei più grandi maestri del costume teatrale e
cinematografico, dal primo Novecento a oggi: Anna Anni, Giancarlo Bartolini
Salimbeni, Aldo Calvo, Milena Canonero, Massimo Cantini Parrini, Giulio Coltellacci,
Danilo Donati, Gabriella Pescucci, Luigi Sapelli detto Caramba, Gino Carlo Sensani,
Piero Tosi. Accanto a loro, i costumi ideati da grandi artisti come Felice Casorati,
Corrado Cagli, Giorgio de Chirico e Arnaldo Pomodoro.
Le opere provengono da importanti istituzioni e collezioni: Gallerie degli Uffizi –
Museo della Moda e del Costume di Firenze, Costumi d’Arte Peruzzi, Tirelli Trappetti,
Sartoria Farani, Archivio Corrado Cagli di Roma, Fondazione Cerratelli di Pisa, Sartoria
De Valle di Torino e la collezione di Massimo Cantini Parrini.

Gli abiti sono accompagnati da parrucche, gioielli e ornamenti — elementi
essenziali nella costruzione dell’identità visiva — provenienti da laboratori specializzati o
fatti realizzare appositamente su modelli originali in occasione della mostra.
Emerge così una vera e propria geografia del fare: musei, archivi e sartorie che
custodiscono saperi rari, restituendo una costellazione di competenze che ha reso il
costume italiano uno dei linguaggi più riconoscibili e influenti nel panorama
internazionale.

Mostra | La Maddalena di Piero di Cosimo: arte, storia e vite di donne nel Rinascimento fiorentino (Roma)
2026-04-17 00:00 - 2026-09-06 23:59 | VIVE – Vittoriano e Palazzo Venezia, Via del Plebiscito, 118, Roma, Italy
Il VIVE – Vittoriano e Palazzo Venezia annuncia la proroga della mostra “La Maddalena di Piero di Cosimo: arte, storia e vite di donne nel Rinascimento fiorentino” fino al 6 settembre 2026. L’esposizione, curata da Edith Gabrielli con la consulenza storica di Fernanda Alfieri, Serena Galasso e Isabella Lazzarini, avrebbe dovuto concludersi il prossimo 5 luglio, ma il grande interesse manifestato dai visitatori e la rilevanza scientifica del progetto hanno spinto l’istituzione a prolungarne l’apertura per l’intera stagione estiva.

Il percorso espositivo si sviluppa all’interno di Palazzo Venezia, in quegli ambienti un tempo adibiti alle cucine che sono stati appositamente restaurati e riaperti al pubblico proprio in occasione di questo importante appuntamento. Il nucleo centrale dell’iniziativa ruota attorno alla tavola dipinta alla fine del Quattrocento da Piero di Cosimo, un’opera di raffinata qualità concessa in prestito dalle Gallerie Nazionali d’Arte Antica di Palazzo Barberini nell’ambito di un accordo strategico volto a valorizzare l’integrazione del patrimonio museale romano.

L’opera diventa la chiave d’accesso ideale per esplorare l’universo femminile nella Firenze rinascimentale. Rappresentando la santa come una giovane donna del suo tempo, circondata da oggetti di uso comune, il dipinto apre una finestra sulla realtà materiale e sociale dell’epoca. Il progetto si distingue per la sua forte impronta interdisciplinare, frutto del lavoro corale di circa trenta studiosi che hanno fatto dialogare la storia dell’arte con la storia sociale e della cultura materiale, offrendo uno spaccato profondo sulla nascita, l’educazione, la devozione, la gestione domestica e l’universo produttivo dell’epoca.

L’estensione dell’apertura consentirà a un pubblico ancora più ampio di scoprire una selezione di oltre sessanta tra documenti e manufatti d’epoca, tra cui lettere e libri di conti di figure storiche e manoscritti miniati, che restituiscono concretezza alla memoria storica e permettono di comprendere a fondo le tecniche manifatturiere del passato grazie anche a un ricco impianto didattico e multimediale.

La proroga si inserisce inoltre in una più ampia visione strategica promossa dal VIVE. Questa iniziativa anticipa infatti il futuro percorso stabile di Palazzo Venezia dedicato alla grande tradizione artistica e artigiana della penisola, dal Medioevo alle soglie del Made in Italy.

Informazioni:

Orari:
Tutti i giorni, 9.30-19.30 (ultimo ingresso 18.45)

Biglietti:
La mostra è inserita nel biglietto del VIVE

Intero 18 euro (mostre incluse)
Agevolato 5 euro mostre incluse
Gratuità di legge

Guida e volume di studi:
La mostra è accompagnata da una guida e da un volume di studi editi da Silvana Editoriale

Mostra | Rinascimento meridionale. La biblioteca di Andrea Matteo III Acquaviva (Napoli)
2026-04-22 00:00 - 2026-07-19 23:59 | Complesso monumentale e Biblioteca dei Girolamini, Via Duomo, 114/142, Napoli, Italy
Presso il Complesso monumentale e Biblioteca dei Girolamini di Napoli il 22 aprile è stata inaugurata la mostra Rinascimento meridionale. La biblioteca di Andrea Matteo III Acquaviva, aperta al pubblico fino al 19 luglio 2026.

A due anni dalla riapertura della Chiesa-Museo, dopo un lungo periodo di interdizione, l’esposizione rappresenta un importante momento di restituzione alla città e alla comunità scientifica. Il percorso espositivo si configura come un’esperienza sperimentale che conduce i visitatori attraverso le attesissime sale storiche della Biblioteca.

La mostra ricostruisce, grazie a numerosi prestiti affiancati al nucleo originario di codici miniati appartenuti ad Andrea Matteo III Acquaviva e custoditi sin dalla prima metà del Settecento presso la Biblioteca dei Girolamini, una selezione della straordinaria raccolta libraria del Duca. Figura emblematica di principe-letterato del Rinascimento meridionale, Acquaviva rappresenta un modello di raffinato mecenatismo e cultura umanistica.

Fondamentale il contributo del CNR ISPC, che ha collaborato al progetto espositivo attraverso specifiche indagini diagnostiche non invasive sui manoscritti esposti nella Sala Vico. Le analisi hanno permesso di approfondire materiali e tecniche artistiche impiegati dai miniatori al servizio del Duca e della sua famiglia.
I risultati hanno evidenziato l’uso prevalente di pigmenti di origine minerale: il blu è ottenuto dal pregiato lapislazzuli o dall’azzurrite; il rosso deriva principalmente da cinabro e minio, oltre che da lacche organiche; il verde è generalmente a base di rame. L’oro è utilizzato sia in foglia sia in forma liquida, mentre l’argento, frequentemente presente, appare oggi annerito a causa dei processi di ossidazione.
Le indagini in riflettanza infrarossa hanno inoltre reso visibile il disegno preparatorio sottostante la pellicola pittorica, restituendo preziose informazioni sul processo creativo dei miniatori.

Alle attività di ricerca del CNR ISPC hanno collaborato Annalaura Casanova Municchia, Maria Catrambone, Danilo P. Pavone, Chiara Saltarelli; per la parte 3D Eva Pietroni, Bruno Fanini e Sofia Menconero.
La mostra si propone come un’occasione unica per riscoprire un patrimonio di eccezionale valore storico e artistico, offrendo al pubblico una nuova chiave di lettura del Rinascimento nel Mezzogiorno d’Italia.

Orari di visita
martedì – venerdì, ore 10.00 – 18.30 con ultimo ingresso entro le 17.30;
sabato, domenica e festivi ore 08.30 – 13.30 con ultimo ingresso entro le 12.15;
chiusa i lunedì e le giornate ad ingresso gratuito.

Info: https://girolamini.cultura.gov.it/
bcm-gir@cultura.gov.it
081 3997115

Mostra | Trame di storia, segni di fede. L’Arcidiocesi di Lucca dal 1726 al 2026 (Lucca)
2026-05-07 00:00 - 2026-06-13 23:59 | Palazzo delle Esposizioni – Lucca, Piazza San Martino, Lucca, Italy
In occasione del trecentesimo anniversario dalla sua elevazione, l’Arcidiocesi di Lucca si racconta, nei suoi tre secoli di storia.
La mostra “Trame di storia, segni di fede. L’Arcidiocesi di Lucca dal 1726 al 2026” approfondisce le vicende, le testimonianze e le connessioni col territorio attraverso alcune opere esemplari, provenienti dal Complesso museale e archeologico della Cattedrale di Lucca, insieme ai documenti dell’Archivio storico diocesano e della Biblioteca diocesana.
Giovedì 7 maggio alle ore 16:30 si terrà l’inaugurazione presso il Palazzo delle Esposizioni, Piazza San Martino: parteciperà il professore Matteo Giuli dell’Università di Pisa.
L’esposizione resta visitabile fino al 13 giugno.
INGRESSO LIBERO
Giorni e orario di apertura: martedì – venerdì, 15:00 – 19:00

Mostra | Storia di un gesto. Il mito di Meleagro dall’arte classica a Warburg, a Picasso (Milano)
2026-05-13 00:00 - 2026-10-04 23:59 | Fondazione Luigi Rovati ETS, Corso Venezia 52, Milano, Italy
Apre il 13 maggio alla Fondazione Luigi Rovati di Milano Storia di un gesto. Il mito di Meleagro dall’arte classica a Warburg, a Picasso, una mostra a cura di Salvatore Settis. Fulcro dell’esposizione è la prima presentazione al pubblico della fronte di un sarcofago romano databile al 170–180 d.C., raffigurante la Morte di Meleagro e altri episodi del mito. Nella mostra sono esposti anche i due rilievi laterali originali, oggi conservati al Museo Archeologico Nazionale di Firenze, proponendone per la prima volta il confronto diretto con la fronte principale.
Accanto alla dimensione archeologica, la mostra sviluppa una riflessione sulla “biografia” di un gesto: una figura, generalmente femminile, che irrompe nella scena con le braccia protese all’indietro, espressione codificata di disperazione.
Nel percorso, infine, un riferimento al pensiero di Aby Warburg, che individuò in questo gesto un caso emblematico di trasmissione delle forme espressive dell’antico, sintetizzato nel concetto di Pathosformel.

Mostra | Com'è profondo il mar (Caorle - VE)
2026-05-16 00:00 - 2026-09-27 23:59 | Museo nazionale di archeologia del mare, Via Strada Nuova 80, Caorle
Frattanto i pesci
Dai quali discendiamo tutti
Assistettero curiosi
Al dramma collettivo di questo mondo
Che a loro indubbiamente doveva sembrar cattivo
E cominciarono a pensare
Nel loro grande mare
Com’è profondo il mare
(Lucio Dalla, Com’è profondo il mare, 1977)
Gli scienziati a volte scherzano sul fatto che le profondità degli oceani sono meno studiate del lato nascosto della luna. Si tratta di un’affermazione del tutto corretta: ad oggi, secondo varie fonti, anche se gli oceani costituiscono il 71% della superficie terrestre, solo il 5% circa dell’oceano è stato esplorato (fonte: UNESCO Ocean Literacy)

Nelle parole del poeta e dello scienziato il mare evoca spazi inesplorati e misteriosi: il non-conosciuto, il sommerso, l’emergente sono alcuni degli spunti che costituiscono il tema centrale di questa mostra, organizzata dalla Direzione regionale Musei nazionali Veneto e ospitata al Museo nazionale di archeologia del mare di Caorle (VE), con la curatela di Boris Brollo e il patrocinio del Comune di Caorle. Quattro artisti contemporanei – Luca Buvoli, Simonetta Moro, Simon Ostan Simone e Aga Ousseinov – stabiliscono un dialogo tra le loro opere e i reperti presenti nella collezione del museo. Questi vengono utilizzati come punti di partenza per nuove narrazioni che coinvolgono la vita e la storia degli oggetti ritrovati nel mare, e del mare stesso come veicolo di vita e di morte, crescita e decadimento, luogo di memoria psichica e crocevia di eventi storici.
L’allestimento, distribuito nelle varie sale del museo, consiste di una serie di “interventi”, ovvero opere concepite appositamente per alcune aree del museo e in risposta a particolari manufatti e documenti. Ogni artista si avvale di varie tecniche – dalla pittura, al disegno, alla scultura e al video – nel creare un suo proprio immaginario legato al mare e al metodo archeologico, da intendersi come strumento di ricerca e di introspezione, di pensiero critico e di avvertenza.
Il concetto di archeologia applicato agli oceani, per gli artisti contemporanei, assume un significato che va oltre lo studio del passato; non è tanto il recupero di ciò che del passato (sia recente che remoto) si trova nei fondali ad essere l’oggetto della loro attenzione, quanto il rischio di estinzione che corre l’ecosistema marino oggi, destinato a diventare archeologia del futuro. Dunque, l’archeologia, si potrebbe dire con le parole del filosofo Giorgio Agamben, intesa come possibilità di ciò che è già reale, e come monito per il presente che indica il futuro.
Biografie degli artisti
Luca Buvoli (nato in Italia, residente a New York) è un artista multimediale le cui mostre personali includono la Phillips Collection di Washington DC (Digital Intersection, 2020), il Philadelphia Museum of Art (2001), il M.I.T. List Center di Cambridge (2000), l’ICA di Philadelphia (2007) e mostre personali in gallerie come la John Weber Gallery di New York (1995, 1997, 1999), la Hyundai Gallery di Seul, Corea del Sud (2012) e la Cristin Tierney Gallery di New York (2022) (a cura di John Hanhardt). Le mostre collettive includono Utopia Matters (Deutsche Guggenheim Museum di Berlino, 2010), la Biennale di Venezia (2007), Greater New York al P.S. 1 MoMA (2000) e la seconda Biennale di Johannesburg, Sudafrica (1997). Commissioni pubbliche permanenti si trovano a New York, Houston e Seattle.
In questa esposizione, Luca Buvoli presenta un video basato su una storia familiare legata al mare e un’installazione-acquario con protagonista una piccola scultura rappresentante una sirena.
Simonetta Moro (nata in Italia, residente tra New York e Portogruaro) è attiva nell’ambito della pittura, del disegno, dell’installazione e della scrittura teorico-critica sulla pratica artistica e sull’arte contemporanea. Il tema della psicogeografia e della mappa è spesso presente nelle sue opere. Il suo lavoro è stato esposto negli Stati Uniti e in Europa, tra cui: BRIC Art House, New York; Center for Architecture, New York; Museum of Contemporary Art, Chicago; the American Academy in Rome; e l’Harris Museum, Preston, UK. Moro si è diplomata in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Bologna, ed ha poi conseguito un Master in European Fine Arts alla Winchester School of Art, e un dottorato in Fine Arts alla University of Central Lancashire, Preston (UK). È Professore di Arte, Filosofia e Arti Visive, e Presidente dell’Institute for Doctoral Studies in the Visual Arts (IDSVA). Simonetta Moro partecipa con una serie di disegni e dipinti su Mylar e carta, dove il materiale traslucido assume la qualità materica dell’acqua, mentre i soggetti saranno basati su artefatti selezionati dalla collezione permanente, sospesi tra una dimensione documentaria e onirica.
Simon Ostan Simone vive a Fossalta di Portogruaro. Fin da piccolo è stato allievo di un grande maestro d’arte, Aldo Mori, ed è così che a 11 anni scopre la pittura. Apprende la storia dell’arte e sperimenta le tecniche di pittura antica, partecipando a mostre collettive. Nel 1997 ottiene il Diploma di Perito Grafico all’Istituto Salesiano “San Marco” di Mestre. Approda al mondo del lavoro e nel 2000 diventa imprenditore, nasce infatti la Società di Servizi Pubblicitari “Nuovi Spazi”. Simon Ostan Simone è creatore di coordinati aziendali e strategie pubblicitarie. L’esigenza di comunicare lo riporta a riprendere il pennello in mano. La pittura diffonde le sue sensazioni al massimo contrasto: il bianco e il nero, gli esponenti della forma di comunicazione più arcaica, la pittura rupestre. Simon Ostan Simone partecipa con un’opera video multimediale.
Aga Ousseinov è nato a Baku, in Azerbaijan. Vive e lavora a New York dal 1991. Ha ottenuto un Master in Belle Arti (MFA) presso il V.I. Surikov Fine Arts Institute di Mosca, 1985. Inizialmente formatosi come scultore, Aga Ousseinov ha studiato fotografia e video all’International Center of Photography dopo essersi trasferito a New York. Questi media aggiuntivi gli hanno dato la libertà di perseguire la sua indagine sull’interazione tra strutture narrative individuali e culturali. Il suo lavoro, in particolare, suggerisce due visioni del mondo consapevoli e conflittuali: una razionale e tecnologica, che contrasta con un’altra poetica, immaginaria ed emotiva. Portando avanti le tradizioni consolidate della scultura, le sue opere sono installazioni scultoree combinate con video, fotografie, disegni e collage. Ousseinov ha esposto ampiamente sia a livello nazionale che internazionale. Ha rappresentato l’Azerbaijan alla 54 Biennale di Venezia 2011. Aga Ousseinov presenta una serie di lavori su carta in forma di aquiloni e collage ispirati a temi nautici.
Gli sponsor
ArteSegno – Galleria d’Arte e Casa d’Aste | F.lli Giacomini S.p.A. | Confartigianato Imprese Veneto Orientale |
VRC Costruzioni | Extra Group S.r.l. | Officine Clementi – Carpenteria metallica | Cofidi Veneto
Com’è profondo il mar
Esposizione d’arte contemporanea a cura di Boris Brollo
Opere di Luca Buvoli, Simonetta Moro, Simon Ostan Simone e Aga Ousseinov
16 maggio 2025 – 27 settembre 2026
Inaugurazione sabato 16 maggio ore 18:00 – ingresso gratuito su invito
La mostra rimarrà aperta al pubblico fino al 27 settembre 2026 e sarà compresa nel biglietto d’ingresso al museo.
Informazioni e prenotazioni:
Museo nazionale di archeologia del mare – Via Strada Nuova 80 – 30021 Caorle (VE)
Tel. 0421.83149 – 3791805649
mail: drm-ven.museocaorle@cultura.gov.it
web: museiveneto.cultura.gov.it – museocaorle.cultura.gov.it
Aperto lunedì e martedì dalle 9:00 alle 13:00 – venerdì e domenica dalle 10:00 alle 18:00
Per verificare altre aperture festive infrasettimanali consultare le pagine social:
https://www.facebook.com/museomarecaorle
https://www.instagram.com/museoarcheologicodelmare

Mostra | In hoc Signo. Testimonianze cristiane tra Ostia e Porto (Ostia antica - RM)
2026-05-21 00:00 - 2026-11-21 23:59 | Castello di Giulio II – Ostia antica, Piazza della Rocca, 13, Ostia antica, Italy
Dal 21 maggio al 21 novembre 2026 gli appartamenti papali del Castello di Giulio II ospitano la mostra “IN HOC SIGNO”, dedicata all’affermazione e alla diffusione del Cristianesimo tra Ostia e Porto.
Saranno esposte al pubblico le testimonianze più rappresentative, relative alla cultura materiale e storico-artistica, del primo Cristianesimo nel territorio ostiense e portuense, partendo dalla coesistenza di più religioni nel III secolo d.C. all’affermazione definitiva della nuova fede tra IV e V secolo, fino all’Alto Medioevo.
Si tratta di opere, poco note al pubblico e in qualche caso esposte per la prima volta, capaci di evocare il cambiamento culturale avvenuto tra IV e V secolo, con la diffusione di un simbolo religioso universale e pervasivo sia in ambito pubblico che privato. Tale cambiamento si intreccia con la trasformazione politica e sociale dell’Impero durante la tarda antichità, determinando l’affermarsi di temi e immagini che si riverberano ancora oggi nel mondo contemporaneo.

Mostra | CRANIO C. Patrimonio Paleoantropologico Mondiale (Trieste)
2026-05-22 00:00 - 2026-08-16 23:59 | Museo d’Antichità J.J. Winckelmann, Piazza della Cattedrale 1, Trieste, Italy
Per la prima volta al di fuori della Croazia, al museo Winckelmann sarà possibile ammirare il cranio C, proveniente dal sito di Krapina, patrimonio paleoantropologico dell’Umanità.
Il sito dei Neandertal di Krapina rappresenta uno dei luoghi più importanti della paleoantropologia mondiale. Scoperto alla fine del XIX secolo sulla collina di Hušnjakovo, fu oggetto di ricerche tra il 1899 e il 1905 sotto la guida del celebre scienziato Dragutin Gorjanović-Kramberger. I reperti, risalenti a circa 130.000 anni fa, sono oggi conservati presso il Museo Croato di Storia Naturale di Zagabria e il pezzo più emblematico sarà ospitato al Museo Winckelmann dal 22 maggio al 16 agosto.

Oltre alle caratteristiche anatomiche, particolare interesse suscitano le incisioni presenti sull’osso frontale, che potrebbero indicare aspetti simbolici più complessi della vita dei Neandertal.
Il fulcro della mostra è rappresentato dall’esposizione del reperto fossile originale, collocato in una speciale vetrina progettata per garantire condizioni microclimatiche e luminose controllate. I visitatori avranno così un’opportunità unica di osservare direttamente un cranio di inestimabile valore scientifico e culturale. Accanto al reperto sarà presentato anche un documentario, nel quale, attraverso suggestive immagini, animazioni e commenti di esperti, viene interpretato il significato del Cranio C nel più ampio contesto delle conoscenze sui Neandertal.

Mostra | Abitare il Rinascimento. Arredi domestici a Siena dal XV secolo all’epoca della Maniera (Siena)
2026-05-22 00:00 - 2026-11-01 23:59 | Palazzo delle Papesse, Via di Città 126, Siena, Italy
E se il Rinascimento non fosse fatto solo di dipinti e palazzi, ma di camere da letto, cassoni decorati e storie da vivere ogni giorno? La mostra “Abitare il Rinascimento”, ospitata a Palazzo delle Papesse, invita il visitatore a entrare letteralmente dentro la vita delle dimore nobiliari tra XV e XVI secolo, ricostruendo il mondo dell’arte domestica senese attraverso oltre ottanta opere.
Nella storica residenza rinascimentale appartenuta a Caterina Piccolomini, sorella di Papa Pio II, prende forma un racconto che restituisce centralità agli arredi e agli oggetti della quotidianità aristocratica, espressione di una cultura figurativa che univa funzione, racconto e rappresentazione sociale.
Prodotta da Opera Laboratori con la Fondazione Monte dei Paschi di Siena e la Società strumentale Vernice Progetti, la mostra – curata da Laura Bonelli e Marilena Caciorgna – riunisce prestiti provenienti da importanti istituzioni e musei italiani e internazionali, tra cui la Banca Monte dei Paschi (con opere dalla Collezione Chigi-Saracini), la Fondazione Monte dei Paschi, l’Opera della Metropolitana di Siena, l’Arcidiocesi di Siena-Colle di Val d’Elsa-Montalcino, la Pinacoteca Nazionale di Siena, la Società di Esecutori di Pie Disposizioni, il Museo Diocesano di Pienza, il Museo Stibbert e il Museo del Bargello di Firenze, il Musée du Petit Palais – Musée du Louvre en Avignon, oltre a collezionisti privati.
Nell’occasione sono stati eseguiti numerosi restauri – finanziati da Opera Laboratori e Fondazione Monte dei Paschi di Siena – da parte di prestigiosi laboratori, restituendo lo splendore originario a numerose tavole e ad alcune suppellettili.

Leggi l’articolo completo dedicato alla mostra su Storie & Archeostorie:
Abitare il Rinascimento: al Palazzo delle Papesse di Siena la casa diventa… arte

Mostra | Il Medagliere si rivela. Pasqua in nummis (Bologna)
2026-05-25 00:00 - 2026-07-06 23:59 | Museo Civico Archeologico – Bologna, Via dell'Archiginnasio 2, Bologna, Italy
Avviata nell’ottobre 2023, giunge al suo ottavo appuntamento la rassegna espositiva Il Medagliere si rivela promossa dal Museo Civico Archeologico del Settore Musei Civici del Comune di Bologna con lo scopo di avvicinare il pubblico – attraverso affondi tematici – alla conoscenza del proprio patrimonio numismatico. Il Medagliere conserva infatti circa 100.000 beni numismatici dagli inizi della monetazione (verso la fine del VII secolo a.C.) fino all’euro, tra cui un importante nucleo di circa 16.0000 medaglie che vanno dalla metà del XV secolo fino ai giorni nostri.
All’interno di questo nucleo si distingue per completezza e ricchezza la raccolta delle medaglie papali, che fanno del Medagliere un imprescindibile punto di partenza per gli studiosi e appassionati del genere.

In occasione della Pasqua Il Medagliere si rivela presenta il focus espositivo Pasqua in nummis, a cura di Paola Giovetti e Laura Marchesini, con una selezione di una ventina di pezzi, tra monete e medaglie, raffiguranti temi iconografici legati agli episodi della vita di Gesù e ricordati nella liturgia pasquale.
La mostra è liberamente visitabile nell’atrio del museo dal 25 marzo al 6 luglio 2026.
Le tematiche evangeliche dei giorni che precedettero la crocifissione e culminarono con essa sono centrali nella civiltà europea e la loro raffigurazione su monete e medaglie è assai frequente. Le motivazioni che portano alla scelta di un determinato tema iconografico sono spesso complesse e dettate dalla volontà di trasmettere messaggi non solo devozionali ma anche politici e culturali. Perciò la lettura di queste iconografie, oltre che partire dalla rievocazione cronologica degli episodi della vita di Cristo, permette di approfondire aspetti legati alle ragioni che portarono il committente a scegliere di raffigurare un determinato passo evangelico, alla propaganda affidata all’oggetto e alla tipologia di pubblico a cui si rivolgeva.
Si delinea poi un altro aspetto legato all’ambito squisitamente artistico che consente, talvolta, di mettere in dialogo medaglie e monete con altre forme artistiche attraverso la traduzione di modelli e soluzioni compositive di opere molto note, adattate alle ristrette dimensioni dei tondelli metallici. È il caso di Giovanni Bernardi (Castel Bolognese, 1494 – Faenza, 1553), che traspose nella medaglia qui esposta la composizione della Crocifissione già incisa per uno dei nove medaglioni in cristallo di rocca commissionati dal cardinale Alessandro Farnese (Valenzano, 1520 – Roma, 1589), di cui parla anche Giorgio Vasari, oggi conservato alla Bibliothèque nationale de France a Parigi.
La medaglia papale è la principale tipologia di beni numismatici che attinge al repertorio evangelico: ogni pontefice scelse episodi della vita di Cristo molto spesso veicolando significati legati alla sua politica temporale e spirituale. Così Urbano VIII (papa dal 1623 al 1644) fece raffigurare per la sua medaglia d’elezione la scena della trasfigurazione di Cristo, suggerendo un sottile parallelismo tra la sua ascesa al soglio e quella di Cristo al cielo. La medaglia per Pio V (papa dal 1566 al 1572) raffigurante la cacciata dei mercanti dal tempio voleva ad esempio significare la volontà papale di riforma ed epurazione della Chiesa, proprio come Cristo aveva inteso fare, liberando dall’offesa del mercimonio la casa di Dio.
Le medaglie raffiguranti la lavanda dei piedi ricordano il gesto d’umiltà e l’esempio che Cristo volle lasciare ai suoi discepoli in occasione dell’ultima cena, rievocato nella messa del giovedì santo celebrata prima della Pasqua. Questa iconografia si diffuse a partire dalla metà del XVI secolo, non solo a ricordo dell’episodio evangelico ma anche con l’intento di rafforzare e ribadire la centralità del rito nella liturgia post tridentina in opposizione alle critiche mosse dal Protestantesimo.
Una delle più belle e rare monete del Rinascimento, il doppio ducato d’oro di Clemente VII (papa dal 1523-1534), fu incisa da Benvenuto Cellini (Firenze, 1500 – ivi, 1571) nel 1529 e raffigura l’Ecce Homo, il Cristo ferito dopo la fustigazione ed esposto alla folla. La moneta vuole fare riferimento ad un preciso momento autobiografico del pontefice: come il Cristo aveva subito un’ingiusta e ingiuriosa punizione, così il papa aveva dovuto sopportare la prigionia durante il sacco di Roma.
Tra le monete più interessanti si espongono quelle della Zecca di Mantova che recano come raffigurazione la pisside contenente il prezioso sangue raccolto da Longino, il soldato romano che aveva ferito il costato di Cristo.
Non particolarmente pregiate dal punto di vista artistico e per i metalli utilizzati, ma particolarmente interessanti, sono alcuni esemplari a carattere puramente devozionale, destinati a pellegrini e devoti. La funzione di tali oggetti era quella di consentire al fedele di portare su di sé un’immagine sacra per favorire la preghiera e la meditazione sugli episodi centrali della vita di Gesù. Sono medaglie e medagliette dotate di appiccagnolo per essere indossate al collo o forate per essere cucite su abiti e cappelli. L’aspetto è spesso consunto, detto lanato, per l’usura causata dallo sfregamento sugli abiti o dal ripetuto tocco del fedele.
Questi esemplari avevano anche una funzione apotropaica, come nel caso della medaglia della Scuola della Passione di Venezia, dove compare al dritto la deposizione al sepolcro e al rovescio Cristo al sepolcro, raffigurato a mezzo busto mentre emerge da un sarcofago attorniato dagli strumenti della passione (spugna, lancia, verghe, borsa con i denari, bacio di Giuda, tunica etc.) L’iconografia, molto diffusa a partire dal Medioevo, era chiamata Arma Christi con l’evidente richiamo alla sua funzione di “arma difensiva” contro il demonio.
La mostra Pasqua in nummis viene presentata sabato 28 marzo 2026 alle ore 17.00 in occasione della presentazione del volume Il Medagliere si rivela, a cura di Paola Giovetti e Laura Marchesini, che documenta sei dei sette percorsi tematici presentati dal 2023 al 2025: San Petronio “rifondatore” di Bologna (4 ottobre – 4 dicembre 2023); Natale in nummis (6 dicembre 2023 – 15 gennaio 2024); Le Due Torri (13 marzo – 16 settembre 2024); L’Antico Egitto (18 settembre 2024 – 3 marzo 2025); L’ingegno delle donne (5 marzo – 13 ottobre 2025) e Ritratto d’artista (15 ottobre 2025 – 2 febbraio 2026).
Introdotto da un excursus sulla storia della collezione numismatica, il volume contiene una breve scheda per ognuna delle 125 medaglie e monete complessivamente esposte.
La pubblicazione (pp. 100, euro 15,00) è in vendita presso il bookshop del museo.
L’incontro, secondo appuntamento del ciclo di presentazioni delle novità editoriali del Museo Civico Archeologico di Bologna Visto, si stampi!, si svolge presso la Sala Conferenze del museo, in via dell’Archiginnasio 2. L’ingresso è libero, fino a esaurimento posti disponibili.

Mostra | Giovanni Agostino da Lodi (Milano)
2026-05-26 00:00 - 2026-09-13 23:59 | Pinacoteca di Brera, via Brera 28, Milano, Italy
Alla Pinacoteca di Brera di Milano, fino al 13 settembre 2026, la prima mostra monografica mai dedicata a uno degli artisti più originali e misconosciuti del Rinascimento italiano.

Per la prima volta, una mostra ripercorre la carriera di uno degli artisti più originali attivi in Italia nei decenni a cavallo del 1500.

L’esposizione restituisce la complessità di questo autore attraverso 46 opere, tra autografe e di autori quali Bramantino, Alvise Vivarini, Giovanni Bellini, Giorgione, Dürer, Lorenzo Lotto e Girolamo Romanino, sia conservate a Brera sia provenienti da importanti musei nazionali ed esteri tra cui il Musée du Louvre a Parigi, le Gallerie dell’Accademia a Venezia, l’Allentown Art Museum in Pennsylvania, il Kunsthistorisches Museum a Vienna, la Galleria Borghese a Roma, il Museo del Prado e il Museo Thyssen- Bornemisza a Madrid, la National Gallery a Londra.
A cura di Maria Cristina Passoni, Cristina Quattrini
Comitato scientifico: Alessandro Ballarin, Francesco Frangi, Mauro Natale, Maria Cristina Passoni, Cristina Quattrini, Edoardo Rossetti

Leggi la recensione della mostra su Storie & Archeostorie:

https://storiearcheostorie.com/2026/06/08/giovanni-agostino-da-lodi-mostra-brera-2026/

Mostra | Sotto il segno di Teodorico. Storia e miti della Verona gota (Verona)
2026-05-28 00:00 - 2026-06-30 23:59 | Biblioteca Capitolare di Verona, piazza Duomo 13, Verona, Italy
Chi fu davvero Teodorico? Sovrano illuminato, re barbaro, protagonista di leggende oscure?
La nuova esposizione della Biblioteca Capitolare di Verona invita a entrare in una figura complessa e affascinante, sospesa tra storia e mito, e a riscoprire il profondo legame che la unisce alla città.
Re degli Ostrogoti e signore d’Italia tra V e VI secolo, Teodorico il Grande governò a lungo da Ravenna, ma Verona occupò un posto speciale nella sua geografia politica e simbolica. Qui la sua presenza è rimasta impressa non solo nelle fonti storiche, ma anche nella memoria collettiva, alimentando nei secoli racconti e interpretazioni spesso divergenti.
Attraverso manoscritti, cronache e testi a stampa, il percorso espositivo ricostruisce il contesto storico in cui visse Teodorico: un’epoca di transizione, segnata dall’incontro – e talvolta dallo scontro – tra mondo romano e regni “barbarici”, tra tradizioni religiose diverse e nuovi equilibri politici. Accanto alla dimensione storica, emerge quella leggendaria: un Teodorico che, con il passare dei secoli, si trasforma, cambia volto e significato, diventando protagonista di narrazioni sempre più lontane dalla realtà originaria.
Particolare attenzione è dedicata alla tradizione veronese, che conserva tracce significative di questa evoluzione. Le cronache locali, insieme ad altre testimonianze, permettono di seguire la costruzione di una memoria stratificata, in cui il dato storico si intreccia con l’immaginario, dando vita a un racconto complesso e affascinante.
L’esposizione offre così non solo l’occasione di avvicinarsi a una figura chiave della storia altomedievale, ma anche di riflettere su come la storia stessa venga raccontata, reinterpretata e trasformata nel tempo.
L’esposizione sarà visitabile all’interno degli spazi espositivi della Capitolare dal 28 maggio al 30 giugno.

Mostra | Aemilia Ars per Bologna. L’arte e la città (Bologna)
2026-06-04 00:00 - 2026-09-06 23:59 | Museo Civico Medievale, Via Alessandro Manzoni 4, Bologna, Italy
Dal 4 giugno al 6 settembre 2026 i Musei Civici d’Arte Antica del Settore Musei Civici del Comune di Bologna presentano Aemilia Ars per Bologna. L’arte e la città, una mostra per far conoscere l’importanza culturale e non solo estetica del movimento Aemilia Ars, peculiare espressione felsinea di una tendenza diffusa in tutta Europa tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo per il rinnovamento estetico delle arti decorative e degli oggetti di uso quotidiano.

Allestita nel Lapidario del Museo Civico Medievale, l’esposizione è curata da Silvia Battistini, Giancarlo Benevolo e Mark Gregory D’Apuzzo.
L’inaugurazione si svolge giovedì 4 giugno 2026 alle ore 12.00, in concomitanza con l’apertura della quarta edizione di Bologna Festival Portici (4 – 7 giugno 2026), la manifestazione che celebra i Portici Patrimonio dell’Umanità UNESCO con numerosi appuntamenti alla scoperta di capolavori inediti nel patrimonio urbano che rendono unica la città di Bologna. L’esposizione è visitabile con ingresso gratuito dal 4 al 7 giugno 2026.
Il progetto di Aemilia Ars per il rinnovamento delle arti applicate e decorative

La società per azioni Aemilia Ars viene fondata il 3 dicembre 1898 a Bologna per volontà di Alfonso Rubbiani, restauratore e letterato, con l’appoggio dei conti Francesco Cavazza e Cesare Ranuzzi Segni, primo presidente del Consiglio degli azionisti. Nella società è presente, con una posizione di rilievo, la contessa Lina Bianconcini Cavazza, moglie di Francesco Cavazza, che fa parte sia del Consiglio degli azionisti sia della Commissione esecutiva presieduta da Alfonso Rubbiani.
La società si pone come obiettivi principali sia il recupero delle tradizioni artigiane regionali inserite nella nuova realtà industriale, sia l’evoluzione dei prodotti manufatturieri, attraverso l’applicazione di principi artistici ispirati alla corrente modernista europea, caratterizzata da un recupero in chiave moderna dell’arte medievale e dal ricorso a forme lineari, floreali e fitomorfe. Nello stesso contesto storico-artistico europeo e con le stesse finalità si collocavano le manifatture della nota casa inglese «Arts and Crafts» nata in Inghilterra per volontà di William Morris. A Bologna e in Emilia si assiste così – attraverso la stretta collaborazione tra artigiani e un gruppo di artisti che si era raccolto attorno al Rubbiani nella Gilda di San Francesco (Augusto Sezanne, Achille e Giulio Casanova, Alfredo Tartarini, solo per citarne alcuni) – ad un vero e proprio rifiorire dell’artigianato locale che recupera, in chiave artistica, le pratiche della lavorazione del legno intarsiato e del ferro battuto, l’arte dell’ebanisteria, della legatoria e dell’oreficeria, producendo manufatti di grande bellezza e qualità artistica, espressione più alta della stagione Liberty emiliana.
La società fu la naturale prosecuzione di una complessa esperienza culturale maturata in città a partire dagli anni Ottanta del XIX secolo: durante il restauro di alcuni edifici storici, religiosi e civili, furono applicati i più attuali principi sviluppati in Francia e in Inghilterra, che si stavano utilizzando anche nelle altre regioni italiane. La necessità di ricostruire elementi architettonici, decorativi e manufatti, che si armonizzassero con la struttura dell’edificio antico, permise di sviluppare conoscenze e metodologie che in seguito furono impiegate per la produzione di oggetti di uso quotidiano.
Per questa ragione, nell’articolo 2 dello statuto della nuova società Aemilia Ars si dichiarava l’intenzione di «promuovere e facilitare lo studio, la buona produzione e la commerciabilità delle arti decorative e industrie artistiche nella Regione Emiliana, allo scopo preciso che quanto è arredamento e decoro interno della casa, acquisti una praticità migliore ed un miglior senso artistico, cosicché aumentandosene la ricerca e la produzione, ne venga profitto agli artisti, agli industriali, agli operai».
Nel giro di pochi anni al nome Aemilia Ars si associa l’idea di un gusto rinnovato e moderno, aggiornato sulle novità del Liberty internazionale prima e dell’Art Déco poi, ma che affonda le radici nel recupero dei modelli decorativi propri dell’arte medievale e rinascimentale.
La società coinvolse imprenditori, teorici del restauro e conoscitori della storia dell’architettura, nonché artisti che elaborarono progetti originali e artigiani che li realizzarono. Si creò quindi un clima culturale che sopravvisse alla fine commerciale della società, sopraggiunta già nel 1903.
L’esperienza permeò così profondamente la società bolognese da condizionare anche gli insegnamenti delle scuole artistiche e professionali maschili e femminili, sia comunali sia religiose, che formarono e istruirono decine di artigiani e artigiane da impiegare nelle aziende cittadine.
Ebbe molto successo la formazione delle ragazze e delle donne che lavorarono nell’ambito del tessile, alle quali venivano insegnate le basi della particolare tecnica di ricamo e merletto sviluppata da Aemilia Ars e resa famosa nel mondo da una capillare attività di promozione. Si costituì un sistema virtuoso tra produzione e richiesta del mercato, che permise al dipartimento di ricami e merletti di resistere nel tempo, fino agli anni Ottanta del Novecento.
L’esposizione documenta con particolare attenzione il cambiamento del gusto nella società bolognese e l’articolato lavoro di sviluppo del progetto e di formazione della manodopera.
È inoltre un’occasione per ammirare materiali Aemilia Ars solitamente non esposti, appartenenti alle collezioni permanenti dei Musei Civici d’Arte Antica: Collezioni Comunali d’Arte (lavori e materiali didattici scuola Sirani; manufatti e campioni ricamati Aemilia Ars; pubblicazioni), Museo Civico d’Arte Industriale e Galleria Davia Bargellini (disegni dal deposito, ferri battuti e vetri) e Museo del Tessuto e della Tappezzeria “Vittorio Zironi” (progetti restauro architettonico e disegni per merletti di Guido Fiorini; manufatti ricamati Aemilia Ars; pubblicazioni).
Le strutture caritative, che si occupavano della crescita e dell’istruzione di orfani e di bambini disagiati, furono coinvolte in questo progetto di formazione. Per questa ragione i Musei Civici d’Arte Antica hanno sviluppato il contesto della mostra in sinergia con ASP – Città di Bologna, ente che ne ha raccolto l’eredità materiale e morale. Infatti, in parallelo, presso la Quadreria di Palazzo Rossi Poggi Marsili, proprietà di ASP, si svolge l’esposizione Un filo lungo secoli. Ricamo e formazione femminile a Bologna dai conservatori agli Istituti Educativi che mette in luce l’attività educativa degli storici istituti pii bolognesi, tra i quali il Conservatorio di Santa Marta o il Conservatorio del Baraccano.

Nel 2021 il merletto Aemilia Ars è stato riconosciuto come patrimonio storico-culturale identitario della città di Bologna De.Co. La sua produzione è custodita da importanti musei esteri, come il Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum di New York e il Victoria & Albert Museum a Londra, ma soprattutto da numerosi musei nella città, le cui collezioni legate al movimento possono essere riscoperte in occasione di questa mostra: le Collezioni Comunali d’Arte, il Museo Civico d’Arte Industriale e Galleria Davia Bargellini e il Museo della Storia di Bologna.

Il progetto espositivo Aemilia Ars per Bologna. L’arte e la città fa parte di Bologna Estate 2026, il cartellone di attività promosso e coordinato dal Comune di Bologna e dalla Città metropolitana di Bologna – Territorio Turistico Bologna-Modena.
L’immagine coordinata della mostra è stata finanziata dall’Unione europea nell’ambito del Programma Nazionale Metro Plus e Città Medie Sud 2021-2027 – Priorità 7 – Progetto BO7.5.1.1.b I musei come leva di sviluppo turistico e promozione dei talenti.

Mostra | Veder greco in Etruria. Le idrie di Cerveteri (Cerveteri - RM)
2026-06-04 00:00 - 2026-10-31 23:59 | Museo Archeologico Nazionale Cerite di Cerveteri, Piazza santa Maria, Cerveteri, Italy
Dal 4 giugno al 31 ottobre 2026, presso il Museo Archeologico Nazionale Cerite di Cerveteri sarà aperta al pubblico la mostra “Veder greco in Etruria. Le idrie di Cerveteri”. Curata dal Direttore Dott. Vincenzo Bellelli e dal Dott. Patrizio Fileri, l’iniziativa coinvolgerà prestigiosi partner nazionali e internazionali, quali il Louvre, il British Museum, i Musei Vaticani, il Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia e i Musei Capitolini, cui si aggiungono numerosi altri prestatori italiani.
La mostra esalterà il ruolo internazionale di Cerveteri in età arcaica e il suo rapporto speciale con il mondo greco-orientale, attraverso l’esposizione di una ampia varietà di ceramiche di importazione ionica e di opere che ne dimostrano l’influsso sulla produzione locale. Esempi significativi di questi contatti si ritrovano tanto nella pittura vascolare che nelle terrecotte decorative impiegate nell’architettura, produzioni di cui Cerveteri, nella seconda metà del VI secolo a.C. risulta protagonista assoluta, sia in quanto centro di importazione privilegiato, che come centro di incubazione e sviluppo di nuove tendenze artistiche.

L’iniziativa promossa dal PACT si svolge con il patrocinio della Regione Lazio, del Comune di Cerveteri, dell’Accademia Nazionale dei Lincei e dell’Istituto Nazionale di Studi Etruschi ed Italici.
Orari: Dal martedì alla domenica dalle 9 alle 19.30. Chiuso il lunedì.
Biglietti: Alle tariffe ordinarie, sarà aggiunto un sovrapprezzo di 2 euro per visitare la mostra.

Mostra | Dentro e fuori dall'acqua. L'ambiente di marea dell'Alto Adriatico (Venezia)
2026-06-05 00:00 - 2026-09-13 23:59 | Museo di Storia Naturale Giancarlo Ligabue, Fontego dei Turchi 1730, Venezia, Italy
Tutti lo conoscono, pochi lo comprendono. L’ambiente di marea, fascia di confine tra terra e acqua che emerge e scompare seguendo il ritmo delle maree, è uno dei paesaggi più caratteristici dell’Alto Adriatico e della Laguna di Venezia e al tempo stesso uno dei meno compresi. Questo ecosistema racconta la straordinaria capacità di adattamento della natura e di una città che ha costruito la propria identità su un equilibrio unico tra presenza umana e ambiente lagunare. Proprio a questo ecosistema è dedicata la mostra Dentro e fuori dall’acqua. L’ambiente di marea dell’Alto Adriatico, che ospita anche un approfondimento sull’ambiente lagunare, inaugurata al Museo di Storia Naturale Giancarlo Ligabue di Venezia.
Ospitata nella Galleria dei Cetacei, l’esposizione, aperta al pubblico dal 5 giugno al 13 settembre 2026, raccoglie gli scatti realizzati da Lorenzo Peter Castelletto, fotografo e divulgatore scientifico, offrendo al pubblico l’opportunità di scoprire il “dietro le quinte” del mesolitorale, fascia costiera compresa tra i livelli di bassa e alta marea.
Originariamente concepito e realizzato a Trieste, il progetto, curato dallo stesso Castelletto e sviluppato in collaborazione con WWF AMP Miramare e OGS, nasce con l’obiettivo di rendere accessibile la conoscenza di un ambiente paradossalmente poco conosciuto.
La mostra presenta immagini di organismi animali e vegetali che hanno sviluppato straordinarie strategie di adattamento per vivere in questo ambiente peculiare. Ci sono crostacei che riescono a muoversi fuori dall’acqua perché, chiudendo delle particolari piastre del loro carapace, conservano l’umidità interna e mantengono le branchie bagnate, riuscendo in tal modo a sopravvivere all’aria per molto tempo. Allo stesso modo, determinati molluschi hanno la possibilità di serrare le proprie conchiglie per mantenere l’acqua all’interno, e quindi sopravvivere, durante la bassa marea.
Le immagini in mostra si distinguono per la cura dei dettagli grazie a effetti macro di forte impatto che permettono di cogliere particolari invisibili a occhio nudo.
Gli scatti, realizzati sia sopra sia sotto il livello dell’acqua, restituiscono una visione completa di questo habitat particolare.
La mostra è aperta al pubblico dal 5 giugno al 13 settembre 2026, con l’orario e il biglietto del Museo.
